VACLAB 軟雕塑實驗計畫
VACLAB Soft Sculpture Project - Furniture Series

取樣真空收納袋的壓縮原理，透過抽取袋內空氣形成負壓，讓物件強烈收縮產生硬度，使材料同時具備可塑性與穩固性。「VACLAB 軟雕塑實驗計畫」試圖透過簡單的科學原理重新詮釋人與「雕塑」的關係，創造出能符合身體曲線、可自由雕塑造型，讓使用者一同創造的傢俱系列。

The “VACLAB Soft Sculpture Project” draws inspiration from the compression principle of vacuum storage bags. By extracting air from the bag, a negative pressure is created, causing objects inside to compress and harden. This process imparts both plasticity and stability to the materials. We aim to reinterpret the relationship between people and "sculpture" through this simple scientific principle, creating a furniture series that conforms to body curves and allows for freely sculpted shapes, inviting users to co-create their furniture pieces.

YAGI WANG 王昱惟

目前在台灣就讀於實踐大學媒體傳達設計學系碩士班。常以平面設計、攝影作為創作媒介。目前以自由接案的方式持續在平面設計與藝術之路建構自身創作可能性。

From TAIWAN currently pursuing a master's degree in Communication Design at Shih Chien University, often utilizes graphic design and photography as creative mediums. As a freelance professional, I am actively engaged in expanding the horizons of my creative work within the fields of visual design and art.


作品簡介/

作品常以攝影和平面設計為媒介，從影像的捕捉到印製的過程，巧妙地構築出一種介於真實與虛幻之間的視覺體驗。設計不僅是視覺上的美感表現，更是對社會議題的深刻反思與訴求，透過藝術的形式引發觀者的共鳴與思考。
近期，與當代藝術家合作，為紐約同志驕傲月的個展製作了一系列引人注目的海報。這些海報不僅展示了藝術家的創作理念，也反映了LGBTQ+社群的多樣性與驕傲，進一步提升了對性別平等和身份認同的社會關注。

The works often utilize photography and graphic design as mediums, skillfully creating a visual experience that lies between reality and illusion, from image capture to printing. The designs not only embody visual beauty but also offer profound reflections and appeals on social issues, evoking resonance and contemplation through the form of art.
Recently, in collaboration with contemporary artists, a series of striking posters were produced for an individual exhibition during New York's LGBTQ+ Pride Month. These posters not only showcase the artists' creative concepts but also reflect the diversity and pride of the LGBTQ+ community, further raising awareness of gender equality and identity recognition.

                         桂語謙                                                      林庭慧

牙醫系合作：張澤揚、王錞易、方廷安

人類經歷災難性的核廢料洩漏後，大面積土地和糧食資源遭嚴重污染，原型食物不再是安全可靠的食物來源。純科技製成的食品，無污染和營養豐富，成為人類賴以維生的新興食物。

擁有豐厚財富的人類，開始依賴新興食物，他們的牙齒已失去存在的意義和功能。牙齒被視為野獸般的粗鄙形象，與時代追求的高雅文明形象格格不入。

然而這些被稱為“無牙者”的新興階層並沒有徹底放棄口腔機能，為了維持適當的咀嚼動作和美觀的口型線條，選擇定期前往設備先進的 “口腔健身房” 進行客製化訓練。

一場以「無齒主義」為核心的美學運動應運而生，無齒面容成為極高門檻的時尚標準。人類對於面部美學的焦慮在科技、身份地位、健身文化的多重力量推動下，趨向過度精緻和極端化。


After experiencing a catastrophic nuclear waste leak, large areas of land and food resources were severely contaminated, making conventional food sources no longer safe or reliable. Technologically produced food, which is pollution-free and rich in nutrients, has become the new sustenance for humanity.

The wealthy have begun to rely on this new food, rendering their teeth obsolete. Teeth have come to be seen as a crude, beastly feature, incompatible with the refined and civilised image pursued by the era.

However, this emerging class, known as the “toothless,” has not entirely abandoned oral functions. To maintain proper chewing actions and aesthetically pleasing facial lines, they regularly visit advanced “oral higym” for customized training.

The aesthetic movement centred around “toothlessness” has emerged, making the toothless appearance a high-fashion standard. Driven by technology, social status, and fitness culture, human anxiety over facial aesthetics has pushed towards extreme refinement and excess.

背景/
經歷災難性的核廢料洩漏後，核污染、環境污染、水污染等加成造成嚴重食安問題。傳統依賴自然資源的農作和畜牧業已不再安全可靠，原型食物亦不再是健康的選擇。面臨舊有秩序的崩解，非自然的、於實驗室人工合成的食物，才是純粹、潔淨、安全可靠且值得信賴的，上層階級的人類開始以合成食物作為生存之本。高效與快速的吸收、進食方式是他們所追求的高雅與文明；而「咀嚼」行為被視為野蠻粗鄙且低效的象徵，此時的牙齒已失去存在之意義與功能，只成為徒增疾病風險的根源。

新人本主義 ＆ 新世界人本生活促進會
新的信念與生活型態念在時代的混沌中生成——大地從未是人類之敵，亦從未為人類之母，與自然鬥爭或合作已無數次地被歷史證明錯誤，盲目地相信兩其一便是舊時代人類最大的失敗。因此，以新人本主義作為基礎，遠離自然才能夠遠離苦難和煩惱；相信人自身便有能力創造、滿足人類的一切條件，人類生命以人本的形式維續，才是安穩且長久的生存之道。
新世界人本生活促進會是實踐新人本主義的重要組織，以「新人類儀式」作帶領人類脫離舊世界無知愚昧、錯誤意識型態的激進手段。「拔牙」不再被視為是一種去除病灶手段，而是追求文明世界的必然過程，而牙醫祭師將「賦予」這些人更高的精神價值。儀式在無菌環境中進行，結合醫療與科技，引導人類從淨化、麻醉、拔除等嚴肅儀節，最終蛻變為「無牙」的重生，並在協會成員的見證之下完成，讓無牙者的身心靈獲得全面性的提升。

口腔健身
隨著無牙族群的擴大，新的美學與階級因應而生，對於時尚文化產生深遠影響。無牙的面容、凹陷的雙頰、獨特的口音皆成為高級時尚的象徵。人類對於面部美學的焦慮在科技、身份地位、健身文化的多重力量推動下與日俱增，最終達到了高度精緻和極端化的境地。因此，為了維持面部美學，以及預防喪失牙齒及屏棄咀嚼功能後，齒槽骨失去功能性刺激所造成的萎縮及神經退化狀況，無牙者需定期前往口腔健身房進行一系列客製化的訓練。藉由各種不同口腔肌肉群的訓練器材及規律性的鍛鍊，幫助無牙者保持充分的口腔肌肉活動能力並維持面部輪廓的美觀。

Blood As Material 血液環保燈具

血液環保燈具，Blood As Material 系列燈具主要利用屠宰場的廢血製作環保材質，並利用這個血液材料進行不同物件的創作，目前以系列燈具的形式展出。我希望作品不只是在工藝及材質上探索，且能同時把永續議題及商業價值帶進來，並一同討論材質在創作上的藝術性與議題性。

宮保睿（Paul Gong）

1988年生於美國內布拉斯加州林肯市，是一位推測設計師、藝術家與策展人，為臺灣推測設計的先驅者之一，目前為實踐大學工業產品設計學系專任助理教授級專業技術人員，擁有長庚大學工業設計系產品組學士，英國皇家藝術學院（Royal College of Art)設計互動系碩士（MA, Design Interactions）學歷。他認為設計是⼀種研究方法與思考工具，探索各種可能性，且批判過去與現在，推想未來。設計應該讓人可以刺激討論、想像與反思，他也致力於探索如何呈現可能未來的美學。作品涵蓋大型裝置、文字影像、概念性物件、表演甚至是展覽，試圖營造一個可供想像及探索的情境。他專注於推測設計與跨領域設計藝術領域的研究、創作與教學，過往作品多環繞在這兩個領域的相關議題，透過建立虛構情境去探索各種可能性，對於外在世界探索物件、敘事與文化之間關係，提出整體認知的另類可能，以及對於內在世界挖掘新興科技對人類身體影響，提出個人存在的本質性提問。曾獲2018年的台南新藝獎、2020年美國Core77設計大獎推測設計獎與2022年金點設計獎標章。作品展覽於安特衛普MAS博物館、漢堡藝術與工藝博物館、台灣設計館、伊日藝術、台北數位藝術中心、空總臺灣當代文化實驗場、洛杉磯南加州大學5D學院、帕羅奧圖未來美術館、光州亞洲文化殿堂，以及英國倫敦、中國廣州等地。作品也曾刊登於多份國際與台灣媒體，包括Dezeen 、Designboom、 Core77、MOLD 、Frame Magazine、La Vie Magazine、design Magazine、數位時代等青睞報導。

顧廣毅

居住於荷蘭與台灣從事創作工作，目前為國立陽明交通大學應用藝術研究所專任助理教授，並於英國雪菲爾哈倫大學進行藝術設計與生物科學的跨領域創作博士研究。現為科學藝術團體「共演化研究隊」以及TW BioArt台灣生物藝術社群共同創辦人，碩士畢業於荷蘭恩荷芬設計學院（Design Academy Eindhoven）社會設計研究所（MA, Social Design）、國立陽明大學臨床牙醫學研究所、實踐大學媒體傳達設計研究所，大學畢業於高雄醫學大學牙醫學系；具有牙醫師、生物藝術家以及推測設計師等多重身分。他試圖拓展藝術、設計與科學結合的可能性，作品主要專注於臨床醫學、人類身體、人與其他物種的關係以及性別議題，嘗試藉由藝術實踐與設計方法去探索科學領域中的倫理問題，並藉此思考科技、人類個體和環境之間的關係。他的作品曾獲多個國內外奬項，例如：生物藝術與設計大獎Bio Art& Design Award首獎、臺北數位藝術獎首獎、臺北美術獎入選、美國Core77 Design Awards的Speculative Design Award首獎、荷蘭恩荷芬設計學院Gijs Bakker Award首獎、荷蘭未來食物設計大獎 Future Food Design Award前三名。此外，他的作品更受邀參與國際重要展覽，如德國柏林Transmediale跨媒體藝術節、奧地利林茲電子藝術節、荷蘭設計周、米蘭設計周、比利時根特設計博物館、英國倫敦V&A博物館等等。而他的作品曾刊登於多份國際媒體，包括New Scientist、The Huffington Post、Elephant Magazine、DAMN°、Dezeen、Designboom、VICE、Dazed Digital、Daily Mail、New York Post等。

作品介紹/

《游離男性乳頭》從「解放乳頭運動」（Free the Nipple）的性別平權社會運動中得到靈感，反思不同文化背景的女性所面對身體解放的矛盾與困境，並回應到男性身體的省思。這個計畫同時是延續了宮保睿對痕跡器官的有用/無用性研究，以及顧廣毅過往利用戲謔的敘事去詰問醫療科技對性別化的身體的監控。

專訪/

1. 如何看待自己的作品？是設計還是藝術，或是其他？
 
顧：我覺得我在創作的時候會關注在目前正在處理的主題是什麼，以及需要透過什麼創作方法去探索並且轉化成觀眾可以感知的元素。在這個思考、研究與創作的過程中，科學、科技、藝術、設計、表演等等不同的研究方法與創作方法會混雜地出現在我的思緒之中，我往往會挑選、拼湊出最適合這個作品的方法，並將之應用在這個計畫裡。所以不同領域的方法事實上會雜揉在我的作品之中，形成一種混種的狀態。但換句話說，因為每個領域都有一點被交融在一起，往往就會覺得彷彿可以被設計的脈絡理解，但又不百分之百合理，也會覺得有藝術脈絡的影子，但也不完全符合。就是一種什麼都不是，但又什麼都是的狀態。我個人是認為這樣反而有機會突破原有領域的框架，探索到新的東西。
 
宮：關於定義這件事，我不會特別去想，可以設計與藝術都是，重點放在如何透過作品去探討議題或訴說故事，希望自己個可以讓觀者反思與想像的創作者。我目前專注於推測設計與跨領域設計藝術領域的研究、創作與教學，過往作品多環繞在這兩個領域的相關議題，透過建立虛構情境去探索各種可能性，對於外在世界探索物件、敘事與文化之間關係，提出整體認知的另類可能，以及對於內在世界挖掘新興科技對人類身體影響，提出個人存在的本質性提問。這些都是我發自內心想要去探索的呈現與疑問，在創作得過程中也是不斷地再回應自己。
 
 
2. 國外有一些「Design Gallery」或「Salone del Mobile Milano」、「Collectible」、「DESIGNART TOKYO」等展會能販售這些介在設計與藝術間的作品，你如何看待台灣這塊市場發展的趨勢？

 
宮：在國外經由長期的文化創意產業發展（設計與藝術）已經形成文化，設計與藝術對於大眾跟日常生活沒什麼兩樣，因為已經進入他們的生活之中。在國外（尤其歐洲）看展的人的不分職業、年齡、性別各種都有，是一種很棒的氣氛。當然，除了時間長期的醞釀之外，政府端由上而下的支持也很重要，加上對於設計與藝術邊界的模糊性的認可，也讓這樣的市場更容易前進，期待台灣可以一點一點的累積。
 
顧：對我而言，想要明確定義一個領域，並且只讓符合其定義的東西可以進入該領域發表，常常就是意味著這是一種資源分配上的意義。像國外有更多舞台可以讓處於不同領域之間的作品有發表的機會，事實上也是意味著他們對於資源分配是更多元與開放的。希望台灣可以有更多這種舞台讓創作的界線打開，讓更多可能性發生。
 

3. 推測設計在台灣還是一個很新的設計領域，你們認為台灣市場中，推測設計發展的困境是什麼？如果有可能性的話，那又是什麼？

 
宮：台灣「市場」這邊我先暫且定義成為「生存空間」，第一點是我們台灣設計教育對於設計的定義相對狹窄。簡短地說，經常只把可以解決問題、有功能性、可以販賣與購買認定為設計，但設計可以處理的事其實可以更寬廣的。第二點是缺乏生態系。沒有相對應的教育系統、獎項與補助項目可以支持做這類型的設計師。如果想要讓實驗性、概念性、批判性與推測性設計這一類型設計茁壯，從教育開始，但同時需要建構相對應的平台、獎項、補助等去支持著，只有單一一方都會讓領域成不了氣候。所以建立生態系是一件非常重要的事，這也是我與廣毅從2015年來，一直努力在做的事。
 
顧：同意Paul的說法，我也覺得在台灣設計領域可以更以開放的心態去看推測設計、批判設計等等新的設計研究趨勢。在國外這些新興設計研究領域挑戰了設計的定義，用設計去批判資本主義社會以及設計本來跟消費主義綁在一起的狹隘。這都讓設計有了一個嶄新的可能，設計科系畢業的學生可以更有能力挑戰多變的未來社會。
 

4.對 ΔDesignArt 的期許？
 
顧：非常喜歡 ΔDesignArt的初衷，打造一個開放的舞台讓年輕設計師可以展現自己的才華，同時也是一個很好的機會讓他們可以彼此認識交流。透過這個舞台，他們也有機會漸漸地發現有共同理想與視野的設計師，未來這個聚落可以有機會慢慢地茁壯。很期待未來年輕設計師可以逐漸形成自己的社群，同時有同伴一起做這種具挑戰性、開創性的計畫也會比較不孤單。
宮：有更多台灣的實驗性、概念性、批判性與推測性設計作品可以加入，甚至有更多年輕的設計師、藝術家一起共襄盛舉，給予他們在學校畢業之後可以露出的平台。當然，也讓無法被主流定義的設計師、藝術家們，也有機會被納入其中，呈現台灣多元設計與藝術的樣貌。
 
 
5.給我們一個設計與藝術間的Hashtag

 
宮：#DesignNior
這詞是來自我英國皇家藝術學院教授鄧恩與拉比（Dunne＆Raby）寫的《Design Noir: The Secret Life of Electric Objects｜黑色設計：電子物體的隱秘生活》一書。這本書為批判設計經典之作之一。「Design Nior」即為「黑色設計」，像是黑色電影（Film noir）類型一般，他們試著帶出設計新的類型，設計作為一種批判的形式，以及設計師如何作為作者的角色。同時，也進一步探討電子物件如何影響我們的行為，塑造我們的互動方式，並影響我們對現實的感知。這本書探索了科技的心理、社會與道德影響，讓我們重新思考人類與日常物件以及數位世界的關係。
 
顧：#Auto-EthnographicDesign
自我民族誌設計（Auto-Ethnographic Design）來自於《The Auto-Ethnographic Turn in Design》（2021）這本書。它是一本由前安荷芬設計學院（Design Academy Eindhoven）情境設計研究所（MA, Contexual Design）所長 Louise Schouwenberg與社會設計研究所（MA, Social Design）老師Michael Kaethler所共同編著的書。該書談論設計領域中的自我民族誌轉向，認為「自我民族誌」賦予設計師在自己作品中展現自己話語權的能力。自我民族誌設計除了將設計師放置於設計研究的核心之外，並將設計師自己與更廣泛的社會與文化進行連結，嘗試由設計師自己的故事出發去做設計研究，但仍然跟設計師自身所處的社會有高度關聯。也就是說，設計師在做設計的同時，不再只是傲慢地認爲自己可以透過設計方法知道使用者與消費者的需求，反而是虛心的從自身的故事與脆弱出發，看到自己在社會中的位置進而產生真的連結與同理，並淬煉成設計計畫。

簡介/
卵形設計工作室負責人葉忠宜、日本京都造形藝術大學研究所畢業、日本京都造形藝術大學研究所畢業。曾企畫、翻譯字體設計大師小林章所有著作中文版，並統籌製作《Typography字誌》、與出版社共同策畫設計教育書系《Zeitgeist》，陸續引進國外平面設計經典。2023年獲選進入平面設計世界最高殿堂AGI。

作為他設計與藝術美學實踐的空間「重本書店 Weight Books」，以狂想太空感+日常材料打造，將平面設計 & TYPOGRAPHY作為選書主軸，店內經常策劃展覽活動，從空間氛圍、物件選用、到名家咖啡、私房甜點的菜單設定，無一不是他私生活絕佳品味的具體延伸。

專訪/

1.如何看待自己的作品？是設計還是藝術，或是其他？
我原本是商業管理的日文出身，到日本念了設計，學了半年又去讀當代藝術跟攝影，後來又回到設計。我常跟大家說做商業設計要了解社會脈絡跟互動性，我那些看起來好像很有藝術風格的設計都是我設定好的事情，期待的是這些設計進入商業市場後挑動的是什麼樣的神經，然後相對引起的商業連鎖反應會是什麼，這跟藝術家在做創作的時候思考的邏輯很像，很多藝術家都是在挑戰某些既定的規則，他們作品有時候價格很高，但背後其實也有他設定好的事情。

2.在你心中所謂商業設計與藝術創作的定位是什麼？

求學時老師會告訴你設計與藝術不同，但到底那個定義是什麼卻沒人說得清。講玄一點，就像是你去登山修道，最後老和尚會告訴你，人生所求的萬事萬物最後還是會回到一個原點，它成為一個初始化的狀態。從平面設計的文本來談，有人說最早是從50年代的烏爾姆設計藝術學院開始，以前所有看起來設計的東西都是應用藝術，後來18-19世紀歷經兩次工業革命，有工業製程的量產成為主旋律，這也影響到平面設計的印刷工業發展，「設計」兩字在此時普及有它的時代意義。設計二字已不單純只是追求藝術美感的成就，對我來說反而是在工業製程裡追求某種制度化上的程序建立。


3.「重本書店」可說是台灣第一家以平面跟字體設計書籍為主的獨立書店，但空間各個角落看起來很有藝術感的漂亮家具與家電充滿著你選物的品味，包括這次你找來合作的Mo_&_A 也是一個新銳台灣創作品牌，很有 Collectible Design的味道，你怎麼看待這些物件？

我喜歡看也喜歡買有設計感的物件跟傢俱，像是我放在自家客廳裡的Eames 設計的Lounge Chair & Ottoman，他曾說「設計可以昇華為藝術」，這並非是誰比誰高等，而是說當設計作為一個程序，加入了哲學的思考或觀點，將有可能成為另外一種藝術的形式。Mo_&_A 以金屬材質切入，在我們店裡的展覽還做了一個超大的重型機具，呼應到我們店名的「重」字，看起來很有實驗感，但產品像是線香座、書立等其實很實用，我還把我的結界石放在他們的礦石展架上。這次另外請他們特製一個重本書店金屬版本的Delica茶几，車燈零件取自在地生產的三菱・DELICA（デリカ）車款，將城市道路上常見的五金重新利用於室內的家具物件，創造與在地性的產出。

4.對 ΔDesignart 的期許？
還沒開展不知道狀況會如何，等我逛完再來跟你們說嘿。


5.給我們一個設計與藝術間的Hashtag
#漂流武士

我私下非常喜歡看異世界轉生相關的動畫，推薦大家可以去看一個有點冷門、但我覺得好看到爆炸的動畫《漂流武士》，由平野耕太老師創作。劇情主軸圍繞在兩方對立的大型戰役，但雙方陣營有著東西歷史上無數的英雄人物像是安倍晴明、凱薩大帝等角色轉生，畫風很精采之外，你還能看見他們各自用彼此東西方的思維、謀略、以及超能力等，去幫助自己的陣營如何獲得勝利，故事性很強，充滿著巨大的想像力。（但現在第二季一直不出來我等得好苦啊啊啊）

簡介/
衣.ZiP發想於2022年，最初為台藝大視傳系的畢業製作主題，曾榮獲放視大賞金獎及A+文化資產獎金獎。衣.ZiP以創新的方式重新演繹快時尚和舊衣回收等議題，將其轉化為具美感且有收藏價值的作品。未來的創作將更聚焦於環保再生等理念，敬請期待。

專訪/

1.如何看待自己的作品？是設計還是藝術，或是其他？

在我們的作品或者相關領域上，也常碰到這種疑問，比如說把舊衣拼接成名畫，或是用舊衣變成全新產品等。因為設計和藝術的界限是模糊的，我們認為，設計注重功能和實用性；而藝術則偏重於表達思想和情感，但介於設計和藝術之間的作品通常既實用又能傳達出美感，解決問題的當下，也能引發思考和討論。

但不論被大眾或者誰定義成哪一個象限，我們在創作上都更專注於從目標出發。強調可持續的材料和工藝，達成設計和藝術的融合。同時以我們的方式表達循環再造的理念，這種跨界創作在現代非常重要。

2.你們認為台灣市場中，介於設計與藝術間作品的發展困境是什麼？如果有可能性的話，那又會是什麼？

現在在台灣市場，那些介於設計和藝術之間的作品面對的是，人們對這些作品的了解和接受度不高，而且缺乏資源支持，所以較難找到合適的展示方法來推廣到大眾的視野下。

或許，我們可以採取一些簡單的方式。比如利用網路平台來推廣作品，提高作品的知名度和影響力。同時，也可以利用台灣的在地文化與相關產業來培養人才，為這些跨界作品打開更多的發展機會。

3.「衣.ZIP」在新一代設計展的金點新秀設計獎未獲獎，但你們的作品卻完售備受市場肯定，對於台灣畢業設計展中越見多元的畢業作品，身為學長姐，你們認為學弟妹們應該如何從畢製連結發展自己的職涯？此外，「衣.ZIP」下一步的計劃會是什麼？

畢業製作可以說是設計系同學在學習過程中最重要的一環。要將作品與職業發展聯繫起來，關鍵在於建立品牌意識，不斷地嘗試累積作品，並在各種平台上展現自己的作品。找到屬於自己的特色，並無限地放大，持續追求學習和尋找機會。

希望更多人能夠認識我們品牌，未來擴大推廣，為我們的作品創造更多的展覽露出機會。我們相信利用這種將舊衣服轉化為名畫的形式，能以獨特且直覺的方式來提倡環保與永續的理念，並且致力於讓每一件作品不僅僅是一件藝術品，更是一個以循環再造為主軸和可持續發展理念的媒介。

4.對 ΔDesignart 的期許？
感謝這次能共同分享對於這些議題的看法。ΔDesignart 是一個推廣藝術、設計跨領域方面非常好的一個展會。期待未來，ΔDesignart 能夠為藝術和設計學子們帶來更多元、更獨特的方向，成為跨領域時代指標性的活動。


5.給我們一個設計與藝術間的Hashtag

1. ＃Ancho (Annie Choi)
來自美國紐約的藝術家 Ancho 擅長透過動畫表達她獨樹一格的觀點和氛圍，非常推薦大家欣賞她的作品。這是一種讓人腦洞大開的體驗，從生活中不起眼的小事物中找到創作的切入點，這也是我們能夠持續熱愛創作的原因之一。要有包容的眼界，才能看到更多有趣的事物。

2. # house of errors
在探討藝術與設計之間的可能性時，可以運用許多媒介來表現，但就我的觀察來說，服裝設計是最能讓我感到悸動的選擇。在現代，大家都會去研究穿搭，發現自己的可能性。我平時就喜歡研究一些時尚或街頭潮流品牌， House of Errors是我最近的新歡，雖然受次文化影響的時尚品牌不少，但敢於嘗試使用新材質並搭配奇特元素、不被框架所束縛的品牌卻很少見，這讓我覺得非常有魅力。

使用服裝作為舞台展示各種生動的場景，結合刺繡、針織、印花等多種表達方式，對我來說，這正是藝術與設計的融合，再加上人的參與，就變成了一件非常美妙的事情。

3. #KanyeWest&VirgilAbloh
對我來說，這兩位對我的影響深遠，不論是美感、思想、設計、藝術性還是Vibe。如果你也想挑戰並不斷模糊藝術與商業的界限，那麼我認為 Kanye 和 Virgil 是你需要了解的。

簡介/
個性與創作風格截然不同的兩人，2014年自藝術創作研究所畢業後成立「臍加厝手路金工」工作室。留在台南鄉下，練習以手思考，將彼此對金工的熱情和想法內化成作品，將對理想生活的憧憬與溫度傳達給世界。從市集販售品牌產品出發，2018年開始，兩人以獨立藝術家身份進入如綻堂蒔光、陶華灼等畫廊，參與聯展或以雙個展的形式展覽。2019年進入台中藝博，2024年進入One Art Taipei。

專訪/

1.如何看待自己的作品？是設計還是藝術，或是其他？
我們畢業於台南藝術大學的應用藝術研究所，金工專長的我們畢業後想以技藝維生，成立『臍加厝手路金工』後從市集擺攤賣作品開始，到百貨業邀請快閃進櫃、去文博會大型商展、做DIY課程，也接金工訂製、或參與展覽等，對於每個邀約都感激對待，機會也逐漸開展。因為只會金工，想辦法活下來已是竭盡全力，後來收到畫廊邀約去做展覽，甚至因此進入藝博會，被稱呼是「藝術家」，一路走來讓我們感到不可思議。

很難去分別我們的作品是設計或藝術，唯一能說的是，只要能讓我們繼續以金工維生，什麼都可以試試看，也可能因為我們很雜食，這樣不太聰明地走了十年，卻也沒餓到肚子，臍加厝這個品牌幸運地存活下來，被更多人認識，得以繼續做出更多的作品。

2.從市集出發到進入藝博會，兩種截然不同的展會性質，卻都有人喜歡你們的作品，你們如何看待這兩種平台跟你們作品間的關係？

我們第一次到畫廊展覽是2018年受到陶華灼藝廊邀約，參加一個女性藝術家聯展裡以雙個展的形式呈現，後來又陸陸續續接到邀約，連續以藝術家身份展出了幾年，甚至還進入到台中藝博、One Art Taipei這樣的藝博會販售作品。市集出攤因為消費受眾的關係，都是偏銷售可重複製作的手工商品，單價會比較低，兩邊的受眾不太一樣。但有機會進到畫廊是因為我們參加了文博會這種比較像是品牌為了銷售產品拿訂單的展會，才被陶華灼藝廊的負責人看見，當時我們除了做產品，也很想做比較純創作的作品，所以偷渡了植物系列『蕨生』進去展，意外開啟藝術市場的緣分。

3.在你們心中所謂商業產品與藝術創作的定位是什麼？

我們雖是一個品牌，兩個人會一起做作品，但其實各自還是有創作上的偏好，也會以個人藝術家身份單飛做各自的系列。比如說像譽霖比較設計師性格，霽恩是藝術家性格。譽霖喜歡做客戶訂製，去完成客戶的要求，也會先畫圖照圖施工，如果需要做變更，就回到圖面上去討論，最後做出一個跟設計圖一模一樣的東西。不過霽恩不一樣，她比較喜歡直接做作品，植物系列的創作都是直接在上面敲打出樣貌，用感覺去做調整。

除了訂製跟植物系列，我們也有可重複製作的手工商品寄售在一些店面，但不管是怎樣的作品，對我們來說都是「創作」。我們很雜食，切鋸書籤、做手工紅包，做商品接訂製，也敲擊巨大等身的紅銅葉片，當在藝廊或藝博，被稱作藝術家，被收藏作品時令我們感到幸福，但當有客人在市集因為我們做的別針而眼睛發亮時，同樣也令我們感到喜悅且滿足。


4.對 ΔDesignart 的期許？
我們從市集開始做產品起家，走到現在做更多比較有藝術創作脈絡的作品，進入畫廊展覽、也進入了藝博會。對我們這樣簡單的腦袋來說，像是如何把自己的創作放在藝術市場經營、如何定位自己、如何經營新的課群等，每一題都非常困難，但只要能繼續真誠的面對金屬，持續交出不害羞、不辜負自身的作品（或商品），大概就是走了十年的我們最大的追求。十年是一個節點，這次能收到這個新型態展會邀約也感到很幸運，希望可以從這裡走出一個新樣貌！

5.給我們一個設計與藝術間的Hashtag
#我的完美日常（PERFECT DAYS）

我們是以金屬作為創作媒材的工作室，每天都跟金屬一起生活，很規律地在工作室敲敲打打，細心打磨每個要送到客戶或藏家手上的作品，生活很規律，很平凡，就像這部電影裡的廁所清潔員。日復一日乍看是重複的日常，但每天在金工創作裡的敲擊痕跡都不會重複，看見新的作品誕生都會讓我們不自覺露出微笑，覺得踏實與開心。

簡介/
飽和豔麗的色調、狂野不受拘束的構圖，以獨特的視覺語彙，紀錄在主流社會被視為異類的族群，慾望驅使他創作，不斷地由內而外探索自己與所存在的環境，向當代提出對話，找尋身體的自我認同之餘，也希望靈魂與身體能更自在地並存，從 90 年代發現父親的自拍錄影帶而察覺其性傾向，開啟對於「父親」身份定義 的重新理解，展覽透過攝影、錄影、物件與裝置，試圖追溯、理解和重現與父親之間魔幻、 抽離卻寫實的關係，並記錄著與父子之間發酵過後的私密交流。
2019 年以《父親的錄影帶》榮獲北美獎首獎，2021 至 2022 年陸續展出《碧兒不談》與《複寫:認同》從台北多元的酷兒 生活圈中建構自我認同，紀錄一群不被主流所見，甚至被迴避直視的群體。2022 年底北美館《居家娛樂》透過暗與亮的對比、私密與公眾的參照之間，敘述複合的自我認同，在慾望 的拆解與重構中，接繫從個人與家族，並擴延至整個世代的當代酷兒群像。近期從個展「居家娛樂 HomePleasure 」延伸成立非營利的酷兒藝術創作組織——「HomoPleasure Collective」，致力於通過策展，跨國倡議推廣多元族群創作當代藝術，活動範圍涵蓋展覽、出版、委託和活動，為亞洲多元藝術界帶來新的尖端觀點，促進國際藝術機構交流。

專訪/

1.如何看待自己的作品？是設計還是藝術，或是其他？
我覺得可能都是，我的作品像是某種場域或平台，將設計跟藝術變成一種表裡一體的對話。我是視傳設計出身，畢業後有段時間做電影美術，師傅帶領我進門，應用大量的複合媒材進行美術設計，當中也運用了空間、陳列設計的概念去構圖完成場景。在『父親的錄影帶』中，從資料整理到藝術創作轉化，運用了我在學校做設計的方法，以及在電影美術的工作經驗，以大量的拼貼手法進行。我覺得設計像是在做一種作品的構圖，美術則是在豐富視覺上的組成，從設計到美術，我逐漸對色彩變得敏銳，也反映到攝影作品上的美學呈現，這是一種漸進式的改變與成長。

2.你認為從攝影來說，台灣攝影創作者在發展的困境跟優勢會是什麼？

日本有各種重要的攝影獎、有攝影學校、寫真美術館，可以在專業場域裡一次又一次地論述與展出，那些曝光也能幫到新的攝影創作者。但台灣學界沒有攝影系這件事非常可惜，明明有這麼多攝影創作者，卻無法累積攝影的文本、價值與觀點。我老師第一堂課說攝影是一個工具，可以傳達訊息、可以愛人也可以毀滅人。取決於攝影者怎麼看待這個交流的媒介。時代改變，智慧型手機的配備進化，加上社群媒體盛行，影像成為極度便利的溝通工具，就算現在去談攝影的意識、如何在按下快門時與世界做溝通，可能也很難傳達新世代的創作者，有點失去累積的時機。

這部分我覺得日本人把藝術放進商業去運用的手法就很成熟，可以在商業場域看到很藝術的表現，但跟行銷又結合得很好。台灣攝影師或許可以先往日本去發展看看，台日間某個論述上有脈絡相承，在日本市場找到伯樂機會大，不過台灣人做創作比日本會更無拘束一點。


3.據我所知你除了做創作之外也接商業案拍攝，你如何看待所謂商案與創作的定位？

我會在商業案裡努力試著用創作的手法突破業主的觀念天花板。比如說幾年前在主流時尚雜誌拍白靈，或是拍妮妃雅、薔薇等變裝皇后的主題，其實遇到很多需要溝通的事情，時尚媒體會怕那樣的視覺感太俗艷之類，我會先拍一組業主可以接受的照片，然後再去拍我自己想要的圖象，結果你看現在婚姻平權後同志可以結婚、妮妃雅拿到變裝世界冠軍，甚至能走進總統府大跳艷舞，大眾也都能接受了，我們就是走快一點等待時機成熟，讓主流跟次文化可以交流，但還是要在時代演變中默默蓄積酷兒文化的能量，像是我做『父親的錄影帶』作品，也是在讓這些同志文化在當代能有被歸檔的機會。

4.對 ΔDesignart 的期許？
這次展覽我想在展間呈現過去我做在不同媒材上能多元表現攝影成像的作品。像是燈箱、布料等。內容上也會有許多讓想看看酷兒文化的人有更多共鳴的影像。我希望把我紀錄過的當代酷兒們群像動態，藉由這個微型展間整合呈現出來。

5.給我們一個設計與藝術間的Hashtag
#菊地成孔

我很喜歡音樂，常去唱片行找封面很怪誕的唱片來聽，先發現UA的音樂，再聽到她與菊地成孔的合作『cure Jazz』而愛上。60歲的菊地先生是個很酷的專業薩克斯風手，也是爵士音樂家、作曲者、電影評論家等，也有自己的廣播節目，算是日本酷兒界喜愛的文青指標人物。他因為要出書——《菊地成孔の欧米休憩タイム》，內容是評論亞洲各國的電影，當中寫很多跟台灣電影有關的事情，希望挑一張台灣攝影師照片當書封，搜尋資料後發現一篇過去設計發浪幫我寫的日文報導而找到我，覺得我拍的作品很符合他對台灣那種狂野不羈的想像。世間的緣分連結魔幻也有趣，我當下拍這張照片是因為莎妹劇團的《棄，時間的聲音並不哀傷》，這齣戲靈感來自三島由紀夫的《班女》，坦白說跟台灣電影沒什麼關係還跟日本比較有關，但卻能跟他的台灣想像連結，這就是攝影的魅力所在吧！

簡介/
鹿森林實驗花廊成立於2015年，把世界當成漫無邊際的實驗空間，透過花藝、影像、裝置設計，提供各式跨領域創作。花藝設計師林央晶專注於人與花「自然」的關係，裝置與影像設計師An Ko專注於人、物 質、時空的互動，跨專長的衝突與融合，配合視覺、空間、複合媒材的設計，將概念展現在這片土地上，共同迎向各種挑戰，持續進行藝術創作活動。

專訪/

1.如何看待自己的作品？是設計還是藝術，或是其他？
我們背景是工業設計出身，從設計面切入花藝的創作，是將植物視為做設計的材料，而這個材料的特性是生命週期很短，具備自然變化的特徵。將活動裡不再具有功能的花卉撿拾回來重新做成材料創作，那些腐壞的痕跡裡所呈現的樣貌、色澤、紋理等非常吸引我們。把花藝作品可觀賞的時間拉長，在創作裡將時間具現化，去探索設計謀求的功能面與花藝的創作性之間的可能。設計教育帶給我們對於材料、機能面上的思考方式，以創作來說，我們還是希望將作品帶回到大家的生活裡，硬要說的話，可能還是覺得自己是設計師吧。
 
 
2.從設計師做創作的角度來看，你覺得在台灣發展這塊市場的困境跟優勢會是什麼？
建築設計裡會看到一些設計是藝術取向而非以功能面為主，像是在表達設計師自己的風格跟情感，客戶也能接受。我們成立品牌到現在9年，感受到時代在改變，會來找我們的客戶也有變化，他們逐漸不會用價格以及花卉數量來衡量我們的作品，在意的是我們作品呈現的藝術性，台灣的商業環境對於美學風格提案的品牌來說，有逐漸受到重視中，我們會接到很多商業空間的邀約做創作，像是台中大毅老爺行旅的合作，或是最近Dior的活動邀約等。
 
 
3.在你們心中所謂商業產品與藝術創作的定位是什麼？
雖然我們做作品都是從設計角度出發，但商品或作品似乎不需要分得這麼開。之前我們去英國玩，到處逛街看到他們很多一般店裡的壁飾、家具等都很美，那種生活美學的營造滲透在他們日常當中。疫情時代改變人們對居家生活的態度，什麼都轉線上，那時候也有送花宅配的商業模式出現，越來越多人在乎居家環境美學的營造，認為花時間跟自己相處很重要。
 
但我們發現疫情後消費方式也將變化，大家都想出門的時候，居家擺設的花卉需求一定會下降，因此我們開了實體店鋪「花的美樹館」，設計出一款像是飾品配件的產品，讓大家把花卉當成一個可愛的配件帶出門，當花卉成為一個移動式的產品，就能延展出更多商業可能性。
 
 
4.對 ΔDesignart 的期許？
台灣能有這樣的展會很開心，對於很難定義自己的創作者，其實界線很模糊，不需要分別
 
 
5.給我們一個設計與藝術間的Hashtag
#hurts
他們的音樂陪伴了我們品牌草創初期一段很長的時間 

簡介/

印刷產業在現今的發展已遠遠不只是資訊知識的傳遞，印刷工藝本身的魅力也為書籍、包裝、品牌⋯⋯等增添了不少觀賞價值。本次邀請了設計產業、紙業在作品中將「印刷工藝」發揮到極致的作品並以藝術展覽的方式呈現：三分設計、四維品牌整合設計、仰角視覺整合、海流設計、軌室 Absence Lab、劉克韋、霧室、聯美紙業、鑫天力紙業。展覽中將引導民眾從印刷的細節、難度來介紹作品、向各位分享如何欣賞印刷工藝。

海流設計以解決需求開始，提供設計專業為客戶提供價值。我們不單提供設計服務，更透過策略與專業，在美感與設計需求間取得平衡。

專訪/ 

1.如何看待自己的作品？是設計還是藝術，或是其他？

我是一位設計師，我們工作總是在「業主的需求、現實的考量、美感的專業」中取得平衡，比起傳統的藝術作品來看，設計多了一份服務的目的性，但我認為這兩者其實互不衝突。以這次的參展的設計師：「霧室」、「仰角視覺整合」為例，都展出了非常特別的海報作品，前者展出的海報在上面增添了非常複雜的刀模、後者則是以「金紙」作為海報的底材。過去海報多是宣傳活動資訊，但這兩組設計師都以非常不同以往的作法來印刷海報，讓海報創作增加了藝術性。海報本身非常吸睛，進而讓民眾願意主動去搜尋、參與活動，仍是達到海報本身的功能性。

2.你認為台灣市場中，設計與藝術間發展的困境是什麼？如果有可能性的話，那又是什麼？

比起過去的環境、業主的品味，目前市場對設計師的尊重已經好得非常多，真要說困境我會認為是對設計可能性的想像。這次邀請的設計師中有多數都是讓原本一成不變的印刷品有更多的可能性，譬如說紅包袋、禮盒，都能在客戶的需求上加上本身對作品的期許，最後有了完全不一樣的切入點，而在這時我們也很需要業主跟我們一起並肩作戰，完成雙方都驚艷的最後一哩路。此外在印刷上的另一個困境應該會是對於「印刷」材質或技法的選用提供的價值，目前還是很容易被以「價格」來決定要或不要，要如何讓業主感受到在印刷呈現的差異能為印刷品提供的「價值」這也是我還在學習的。

3.曾在日劇看過主管對設計師部下說出一句很衝擊的台詞：「我們為客戶做的設計是商品，不是你的作品。」『海流設計』接案做設計也做印務，甚至在設計商案中比業主還在意印刷表現，追求印刷工藝的極致。對你而言，如何看待所謂商品與作品的交界？

我私心認為每位設計師在面對無論是什麼樣的設計委託，都會把它當成「自己的創作」來進行，當然經驗的累積也能讓自己在商業提案上更有說服力。以4w studio的《一絆》作品來說，他們花了很多時間做自發性的創作，也吸引對印刷品質有相同追求的業主，這樣在與業主溝通時，就能有底氣證明設計師的作法會是對整個案子最好的決定，進而說服業主接受。


4.不少人認為印刷工業在台灣已是夕陽產業，對於印刷業在台灣的發展與現況，你有什麼看法？

每個產業隨著趨勢與時代的變遷都有各自的潮起潮落，不只是印刷，每個產業都需要與時俱進。確實印刷產業不如過去印刷量動輒幾千幾萬一般輝煌，且除了品質以外，近年因應SDGs的時代需求，業主都會希望以永續再生的印刷品來進行。這次展覽的兩間紙業：聯美紙業、鑫天力紙業，都展出永續環保的紙張，並展示其優秀的印刷效果，打破環保再生紙張印刷成品不佳的刻板印象。聯美在北部地區一直都是永續再生的先驅，很早拿到許多相關認證，能提供給客戶優質服務；鑫天力這次提供的展品則是日本的再生紙所做成的厚紙，皆符合這時代的需求，他們都是走在時代先鋒的佼佼者。


05.對 ΔDesignart 的期許？

「設計就是解決問題——此一說法可以讓設計在社會之中具有客觀的必要性，因此成為多數業者獲取外部認同的主流答案。」（詩意的宣言: 設計．Design．デザイン，彭星凱）

不過一味追求實用性我認為反而限縮了設計的可能性，設計上的藝術表現有很多討論方向，而我選擇了印刷工藝的角度來論證設計能呈現的藝術性。很高興能以「印刷工藝的藝術」作為切入點參與這個展覽，希望讓大家了解身為印刷見長的設計師們，透過印刷來傳達視覺美感外的工藝之美。期待未來ΔDesignArt能有更多設計師參與，讓大眾藉由展覽認知設計師不只是提供設計服務，甚至開始了解藉由設計呈現的藝術質感。


6.給我們一個設計與藝術間的Hashtag

#林小乙
小乙老師絕對是透過印刷，讓設計與藝術之間的界線變得曖昧模糊的翹楚！選紙精準、將各種印刷工藝揉捻於掌心間，同時在較商業的作品上表現仍是非常細膩。不管為人或是作品都是我非常崇拜的設計師（結果變成告白？！)

簡介/

輔大織品系畢業，2015年成立品牌「once:nice」，是一個人的服裝工作室，也是一個人的藝術工作室。從生活中汲取靈感，在生活與作品之間營造『日常』的關係。製作能符合生活實用兼具美感的作品，有多種穿搭方式的衣服、因地制宜擺置美感的手工編織軟器皿、抑或是能夠陪伴日常使用的袋包；近年則開啟了《他山之石》軟雕塑編織系列。侘寂美學的實踐者，日復一日地創作。

專訪/

1.如何看待自己的作品？是設計還是藝術，或是其他？
我認為藝術與設計是一種相依存在的關係，藝術像是問題本身，設計則是以方法論去解構問題；而創作，則是在兩者間碰撞激盪的「過程」，一種不確定的進行式。我的作品比較貼近於「創作」這種不確定的樣態。


2.品牌「once：nice」裡有常態性商品、有訂製商品，也有軟雕塑的藝術創作，如何從市集裡的手創品牌走進編織創作的市場？
我是織品系畢業，本來就是我的專長。初期訂下「一次一件、一人製作、一人販售」的設定，是因為我既然是一人工作室，那就在一人的能力範圍內把事情做好。不喜歡做重複事情的個性也是給自己的修煉，去產出更多不同的作品。有次在市集做了一些比較偏創作類型的編織器皿，被一間台南民宿老闆娘看見，在她的邀約下我開啟了做編織系列的契機在她的民宿販售，搭配她原本的器皿做很多平面類的編織創作。後來又有不同朋友的邀約，我開始試著用很密的織法加上骨幹，做出更多軟的器皿跟容器類的立體作品，有點像是一種材質實驗，最近的《他山之石》系列則是為了一個比賽而做。

3.在你心中所謂商業產品與藝術創作的定位是什麼？
可能有人覺得為業主做的設計就是商品，但我覺得為業主做設計，有時候也能成為創作的靈感來源。作品，是自己主觀創作的結果，包含與他人產生互動的狀態；商品，是透過交易過程產生的標籤。創作是藝術作品還是設計商品，或許那條線本來就不需要分這麼清楚。

設計教育可能帶給我一些思考上的制約，像是作品好像一定都要有功能，但同時我也在設計方法裡找到創作上的自由度。我不覺得這些藝術創作是那種有距離感的純藝術品，對我來說還是一種應用於日常生活裡可親的創作。


4.對 ΔDesignart 的期許？
ΔDesignArt 致力於建立設計藝術新銳的資料庫，企圖尋求代入不同變因（Δdelta），得以擴展我們對創作的眼界與認知，很期待它即將引發眾多不同觀點討論的可能，或能成為更多屬於這個時代創作能量靈感的累積。


5.給我們一個設計與藝術間的Hashtag
#Wabi_Sabi_給設計者、生活家的日式美學基礎

這是一本很美的小書，作者是一位住在日本很久的美國人，以外人角度深入淺出地描述了深埋在日本文化裡的「侘寂」概念。我很嚮往也喜愛這樣的日式美學，應用在我的服裝設計與編織創作裡，有時候碰到瓶頸、或是睡不著又會在床頭翻翻這本書，是我的靈感繆思。

簡介/
moom bookshop 設立於 2016 年，店面位於台北市。販售藝術、攝影相關書籍，並引進海外獨立出版物、獨立雜誌。
蒐集來自世界各地的獨立藝術出版商，將他們獨到的品味呈現給臺灣的攝影書迷。同時引進眾多攝影大師的過往經典攝影集，讓這些時常聽聞的重要著作能夠踏入臺灣書迷的眼界。
無論是新銳攝影師的獨立刊物，或是已出版多時、至今也許乏人問津的海外攝影集，往往大型書店並不會代理進口；以致於這些精美作品時常在臺灣探詢不著，只能獨自想盡辦法透過海外網站購買、支付大筆運費並等上數日。moom bookshop 致力於進口海外攝影書籍，願能讓許久以來仰慕海外攝影師書籍卻不得其門而入的讀者們，能多一個管道接近它們。

專訪/

1.從你的產業及專業來看，如何定義什麼是介於設計和藝術間的作品？
藝術書籍是一個完美的例子，展示了設計與藝術之間的融合。許多藝術書籍不僅僅是文字和圖像的載體，它們本身也具備完整的設計概念和高度的藝術價值。無論是獨特的裝幀、各式紙張、特殊油墨、罕見材質，還是費時的加工方法，這些書籍通常印量少，有些甚至僅製作數十本，因而成為值得收藏的藝術品。

然而，書籍的本質功能仍是傳遞資訊，使得它們需要被翻閱和觀看。這種功能性使書籍在某種程度上不同於純粹的藝術品，因為它們在設計上需要考慮商業性和實用性。因此，藝術書籍可以被視為介於設計與藝術之間的獨特產物，既具備了設計的功能性，也展現了藝術的獨特性。


02.國外有「Design Gallery」或像是「Salone del Mobile Milano」、「Designart Tokyo 」能販售一些介在設計與藝術間的Collectible Design作品。從書店選書的角度來看，這次展出一些書本形式的裝幀設計，很多都是有限定版數，就像是版畫一般。就你觀察類似這樣的作品，在國外發展的趨勢是什麼？

隨著桌面排版技術的興起和印刷方法的普及，出版一本書不再是出版社的專利。過去，出版書籍需要耗費大量的人力和成本，各個出版環節都有深奧的專業知識。然而，在過去30年間，這一現象被各種軟體和硬體的進步所改變，使得眾多國家的獨立出版社和個人出版變得非常活躍，少量印刷也變得可行。

也因為這個原因，moom bookshop蒐羅了許多國外獨立出版的書籍，其中不少是藝術家獨立自製的刊物。這些藝術家不再僅僅依賴展覽來發表作品，而是透過製作自己的藝術書來發表創作，這已成為一種常見的方式。

3.承上，在你的經驗中，台灣發展這塊作品的劣勢與優勢是什麼？
優勢當然在於台灣有自己獨特的文化，我們在這片土地上吸取的養分，必定可以轉化成在國際間別具特色的作品。我們可獲取的資源也不比其他國家少，在地的社群也十分活躍。
然而，若要將我們的作品推向國際市場，相較於鄰近國家，我們面臨的挑戰較大。許多歐美的收藏家會特別關注中國與日本的創作者，但對台灣創作者的關注相對較少。因此，我們需要更加努力地將自己的作品展示在他們的視野中，才能獲得應有的注意。

4.曾在日劇看過主管對設計師部下說出一句很衝擊的台詞：「我們為客戶做的設計是商品，不是你的作品。」你如何看待所謂商品與作品的交界？
我認為，商品與作品的交界在於商業本身。能夠賣得出去的就是商品，賣不出去的就只能當作是作品。在moom所販售的書籍中，有許多在引進時看到第一眼會讓人忍不住吐槽：「這書太ㄎㄧㄤ了吧，作者在想什麼，到底誰會買啊！」但結果卻大賣。所以，這些書到底是藝術家自嗨的作品，還是成功的商品呢？

5.對 ΔDesignart 的期許？
希望可以越辦越大！

簡介/
messagingleaving 承接訂製設計委託和自主開發計畫，內容涵蓋家具、燈飾、物件及空間相關品項。透過工業製程和工藝文化的平衡，其作品揭示出材料與結構的緊密連結，再揉合思想及詩意，尋求設計和藝術之間的另類表達。

專訪/

1.如何看待自己的作品？是設計還是藝術，或是其他？

我在台灣接受產品設計教育後再去瑞士念奢侈品設計，最後以這樣類似藝術形式的作品呈現品牌，messagingleaving 是一個我實踐材質研究的品牌，從中尋找材質運用的彈性，思考如何創造材質魅力的最大化。我沒有把自己作品放在設計還是藝術去歸類，不過因為本身設計教養背景的影響，會想探索功能性價值的表達，把「設計」當成一個方法、工具，加入其他我所在乎的觀點與面向。

2. 從你的產業及專業來看，有人稱呼那些物件為Collectible Design，你如何定義？

說實話我並不覺得我的作品可以被歸類成國外的Collectible Design。那些作品產出後會有可被收藏的件數，基本上不會有客製化的狀態，有點像是藝術市場有版次的版畫。messagingleaving 提供的是獨一無二、不易被複製的美學提案，透過材料工藝、性質實驗等找出蘊藏在作品裡可被收藏（collectible）的藝術性質，我的強項不是壓低成本去做量化的事情。

然後我接受客戶訂製，依據台灣的市場經驗，我有自己一套產品策略。先做自己實驗出來的作品展覽，有的客人可能會直接買單現場的東西，有的會跟我討論他要放置作品的空間，問我可否做尺寸上的調整之類。

3.國外有一些「Design Gallery」或「Salone del Mobile Milano」、「Collectible」、「DESIGNART TOKYO」等展會能販售Collectible Design，你如何看待台灣這塊市場發展的趨勢？

台灣至今沒有所謂的「Design Gallery」，台灣市場對這類作品還是以家飾品的邏輯看待，還是會在乎他作為一個產品的功能實用性。但Collectible Design重點在前面的「Collectible」，客人會買是因為比起實用，更重視作品的材質表現、藝術性的價值，要用收藏的心態來看，以產品的角度看對客人來說心理上購買的門檻就會很高。

4.承上，你會覺得現階段還是要去國外參展才有機會生存嗎？

台灣的市場環境跟其他國家都不同，有一個自己的樣貌，國外的經驗其實很難移植到台灣運用。我自己是多方嘗試，參加展會本身的目的性會是以拓展人脈、增廣見聞為主，拓展商機為輔。去看看別的品牌在國外怎麼做、多認識一些畫廊之類的。希望可以做出更多的系列去呈現自己的概念，銷售不一定是最優先考量。

5.對 ΔDesignart 的期許？

目前這個展會第一年是呈現多元性質，對我來說比較發散，希望未來可以更聚焦在某個要討論的事情上，比如說真的完全以Collectible Design為導向，把這個平台做成一個具有指標性的舞台，讓國外市場想找這樣的東西就是想到你們。但無碖如何，這樣的展會在台灣前所未見，有助於推動民眾去了解這些事情是什麼，可能也會走出一個自己的市場吧。

6.給我們一個設計與藝術間的Hashtag

BijoyJain #studiomumbai
BijoyJain 是 studiomumbai 的建築師，他沒有社群媒體，都是別人上傳跟他有關的資料tag他。有人問我rolemodel是誰的時候我很常想起他，他是一個在商業與創作上都很成功的人，作品具有文化性也蘊藏職人工藝精神，也在Fondation Cartier 做過展覽，在高端的畫廊呈現他的作品。你能在作品裡看見他保有誠實的工藝創作態度，有種完美的純粹性，是他的生命經驗自然長出來獨一無二的樣貌。我希望messagingleaving 也會長出一個無法被他人複製的狀態。

簡介/

DESIGNissue - art shop project

DESIGNissue

以設計做為一種可以討論的開放式議題，切入生活不同層面所展開的各式企劃製作工作室。

Art shop project

主題式選輯橫跨藝術至設計領域的創作型產品，透過和不同的空間與品牌合作，打造專屬的藝術商店。

專訪/

1. 從你的產業及專業來看，如何定義什麼是介於設計和藝術間的作品？

以藝術創作為出發點，為了讓人感受到想傳達的藝術觀點而透過設計手法創作出來的作品，同時帶有基礎可使用的功能性，藉由使用來感受作品背後藝術性的觀點。

2.國外有「Design Gallery」或像是「Salone del Mobile Milano」、「DESIGNART TOKYO 」能販售一些介在設計與藝術間的Collectible Design作品。從藝術選品店選物的角度來看，你對國外這塊的趨勢有什麼觀察？

無論從藝術或是設計領域，當兩者間的市場廣度大到某種程度就會產生交會，出現設計藝術領域的新市場。其中我認為有個更重要的面向也是台灣也能同步探討的，就是「美術館商店」。

例如美國紐約的MoMA現代藝術博物館，館內的美術館商店 – MoMA Design Store就是一間提供具備收藏價值設計商品的美術館商店，價格從親民的文房具到家具都有，甚至還開了獨立店面到日本東京，台灣的誠品文具也引進販售。

美術館在每個城市都扮演著美學教育的角色，從幼齡學童到青少年學生，各種年齡族群的人都會出現在美術館，美術館商店就從商業切入一個巧妙的定位，引進同樣具備藝術氣息的設計類產品，在商店內延續了藝術展的氣氛，進而提升消費者的購買（收藏）意願。國外有很多獨立的私人美術空間在美術館商店的設定總是品味極佳，甚至創造新的購物體驗，連購買一張明信片都會成為一個看展的永恆回憶，珍藏在家中的某個角落。具有絕對話語權的美術館場域內，美術館商店扮演著教育藝術設計消費的角色，消費者也較難以ＣＰ值高、品牌迷思等奧客盲點去指教產品，所以我認為美術館商店是國外發展這股趨勢很重要的起點之一。

3.承上，在你的經驗中，台灣發展此市場的劣勢與優勢是什麼？

目前台灣很缺乏這一塊能夠發表的平台，無論是專門的媒體、活動、甚至商業空間，更遑論市場上能銜接的相關產業，在藝術圈與設計圈似乎都沒有明確的市場，所以台灣遲遲未能發展出什麼趨勢。我認為這個市場的未來在於發展年輕的藏家市場，他們對於古物、當代藝術、設計家俱都同樣具備高度收藏意願，甚至台灣現有的相關展會還無法滿足他們的收藏慾，這和台灣傳統藝術藏家市場很不一樣，或許哪天台灣也能出現一個新型態的藝術設計博覽會。

不過台灣倒是有我個人非常推崇的美術館商店——毓繡美術館，他們所販售的選品氣氛很符合美術館的氣質，會和藝術家聯名為展覽開發新的產品，甚至店內還有一個小規模的展覽空間由選品主理進行策展，將商店內販售的藝術商品衍伸成一個展覽。

4.對 ΔDesignart 的期許？

成為一個能夠為藝術設計類型創作發聲的平台，達到兼具教育推廣與娛樂意義的活動。

5.給我們一個設計與藝術間的Hashtag

#neonrated

這是一個新世代美國獨立電影小發行商，之前我看了許多很有趣的獨立電影，後來才發現都是這間發行商推出的作品。像是《寄生上流》、《鈦》、《瘋狂富作用》、和去年的《墜惡真相》，今年坎城影展最佳電影金棕櫚獎頒給了《歡迎光臨奇幻城堡》導演 Sean Baker 的新作《Anora》，同時這也是NEON 連續五年獲得這項最高榮譽。在我心中已經超越A24的地位。

他們很有意思，即便有這麼多成功推出的作品，本身知名度還是沒有A24高，團隊一直是小小的，口味一直很獨特。會讓我想到自己在選品的時候也一直依照自己的喜好不跟著流行走，即便市場小眾，但總還是要有人照顧具有這群獨特品味美學的消費者們吧。

簡介/

DESIGNART（デザイナート）是一個橫跨設計與藝術、並重新定義能夠帶來感動的物件與事情的新詞彙，目的是為了向外界傳遞和分享這些美好的事物。以“Emotions～感動的入口～”為概念，提供來自世界各地、能夠帶來感動的設計與藝術的物件與事情。

近年來，設計與藝術密切結合並相互交融，這種現象已成為全球性的趨勢。為了讓世界上的優質傳統產業和手工技藝能夠留存，我們認為有必要通過設計、藝術和創意，確立它們獨特的原創性，壯大這份能將感動傳遞給全球渴望感受“Emotions”人們的力量。我們致力於將「DESIGNART」這個字普及為與設計和藝術同等級的常用詞彙，並以此來豐潤人們的生活。

為了實現這一目標，DESIGNART TOKYO展會於2017年發起，每年10月在東京藝術之秋時舉辦，吸引全世界設計藝術迷約10萬人來東京參觀。我們在日本乃至於全球推廣DESIGNART，持續地並積極地進行推廣活動。

 

簡介/

1993年出生於東京都。2017年畢業於東京藝術大學美術學部設計系。主要從事以家具為中心的產品設計，同時也創作以皮鞋為表現媒介的作品。

所謂「現象」這種設計 Design called "phenomenon”

長久歲月積累呈現的傳統裝飾中，透過加入一個純粹的現象因而遇見一個嶄新的設計。

裝飾性受到時代背景、地位、權力等各式各樣的外在因素，以非常濃烈的方式反映當代狀態，因此裝飾具有普遍性無法容許加入變化，是一種強烈的創意表達。本作品旨在透過將偶然性作為裝飾技術，讓傳統裝飾從歷史和社會背景中解放出來，藉此追求新的設計風格。

簡介/

1993年生於日本東京，作為年輕藝術家的她曾修讀文學，並於桑澤設計研究所學習空間設計。2021年開始以藝術家身份進行創作，獲得日本設計展SICF22中獲得評審獎（MIKIKO賞）。2022年頻繁創作參與展覽，在日本最大型藝術展會「DESIGNART TOKYO」中，獲選為最受矚目的5位「UNDER 30」年輕創作者之一。
將日常風景中習以為常的生活物件以孔隙填滿表面的「Life Through Holes」為創作核心，思考對現代人而言，物件與人類構築而成的生活中，何謂真正的豐饒。

簡介/

S&O DESIGN 株式會社代表。曾任Canon「IXY Digital」數位相機的主設計師，領導該系列產品成為世界市佔率第一，並榮獲德國iF設計獎、優良設計獎（G-MARK）等許多大獎。1990年代初期開始，以個人創作者的身份進行活動，近年致力於個人創作與限量生產的作品，曾以「橄欖飛機頭」、「愛的繫船柱」等作品參與瀨戶內藝術祭，代表作有「鏡之髮型」、「西瓜時鐘」、「水果桌燈」系列，目前於巴黎的「Galerie DOWNTOWN」藝廊販售。多次參與21_21 DESIGN SIGHT主題展，在AXIS GALLERY展出的「 LOVABLE　CONTINUOUS　DESIGN」個展獲得國內外好評，多件作品被長崎美術館收藏。2024年以「風之攝政王」作品參與台灣落山風藝術祭，豐富多彩的活動，是國際矚目焦點。

簡介/

從古至今，榻榻米一直深受日本人的喜愛。材料為芳香濃郁、觸感舒適，並具有調濕和除臭功能的植物。然而由於生活方式的改變，近年來接觸榻榻米的機會變少了。“TATAMI ReFAB PROJECT”是一個利用大型3D列印技術，將榻榻米重新編織進現代生活的計畫，將使用過的榻榻米和廢棄的原料以可再生樹脂混合，製作成具有嶄新魅力的家具與家飾。我們致力於將榻榻米的魅力傳遞給下一代。2023年，獲得米蘭家具展SaloneSatellite首獎。

作品介紹/

宇宙養雞場 | Find the chicken

2024年1月
塑料、反光玻璃紙、發泡劑、石膏、木夾板、led燈管
3M長 x 2 M寬 x2 M高 (因場地而定)

想要在火星上喝到一碗跟地球一樣的雞湯，會有多困難? 人類文明發展至火星後，飲食文化將迎來特殊的轉折，從單一的食物漸變成多元的飲食風貌，畜養的活體肉品也必然成為稀有的珍品。活體雞養殖將需要最大程度的人為介入以及耗費巨量的資源，以奢侈精品的方式供應。為火星打造的基因改造的品種以及順應物理條件的不同所發展出來的雞品種，讓這座養雞場似乎異常的特殊…
低重力的環境下雞的肌肉不再需要支撐著身體，移動也無需耗費太多的體力，容易流失肌肉。這對於養殖業來說就像一場災難。但是當肌肉生長抑制素（Myostatin）缺乏時，可能會造成雙倍肌肉症（Double-Muscling）的發生，透過人為的基因控制可以
創造出專門適合在火星上的品種，更順應著火星的氣候環境、物理狀態。這代表著未來極有可能出現一個完全由人類打造的火星養殖系統，甚至是整個生態系。

As human civilization extends its reach to Mars, our culinary culture undergoes a unique transformation, transitioning from a focus on singular food sources toward food diversity. Earth’s traditional live animal meat will become an extraordinary rarity. The cultivation of live chicken meat on Mars will require extensive human intervention and consume vast resources. The development of genetically modified breeds and cultivation methods tailored to the unique physical conditions of Mars makes this chicken farm appear exceptionally distinct.
In a low-gravity environment, the muscles of chickens no longer need to support themselves, and also require less energy to move, making them prone to muscle loss. This could be a disaster for the poultry industry. However, when myostatin—a protein that inhibits muscle growth—is lacking, it can lead to a condition called double muscling. Through genetic modification, Breeds specifically suited to the Martian environment could be created, and able to adapt to the climate and environment of the planet. This suggests the possibility of a completely human-designed Martian farming system and perhaps even an entire ecosystem.

作品介紹/

Life Mission （人生責任）

2020/11 LxWxH (尺寸)：467x140x200mm

Weight (重量)：1.2kg
Material (材質)：UV Curable Resin, stainless steel, aluminum (光固化樹脂、不鏽鋼、鋁)

利用短暫刺青的手法，透過短暫疼痛與皮膚痕跡作為待辦事項載體，加深人們與待辦事項的連結，運用觸覺以及視覺強化記憶。刺青是人們利用觸覺記錄重要過往的一種方式，對回憶、事件產生疼痛連結，減少事件在時間與科技之下產生的疏離感。

"‬Life Mission" ‬used temporary tattooing technique, ‬through temporary pain and skin marks as the carrier of the to-do list. ‬It deepens the connection between people and the to-do list, ‬using tactile and visual reinforcement of memory.‬

作品介紹/

組織編譯-腦波 Tissue Compiling-Brain Wave

2022/03

LxWxH (尺寸)：164x145x3cm, 57x44x3cm, 38x34x3cm
Weight (重量)：4kg, 0.5kg, 0.5kg
Material (材質)：Fabric (布)

【組織編譯】系列作品意圖以身體的隱喻重建對於世界和生命的認知。【組織編譯-腦波】將彈性蓬鬆的小單元聚合，如同每個當下的意識與過去塑造的記憶在大腦交會蜿蜒，攀附於空間中的物品表面。抹去空間內既定的、可辨識的印象，呈現混屯且充滿想像的樣態。

【Tissue Compiling】series intends to temporarily detach the objects from the mechanical form, and use the metaphor of the body to rebuild the perception of the world and life.【Tissue Compiling - Brain Wave】aggregates small elastic and fluffy units, as if each present consciousness and the memories shaped by the past meet and meander in the brain, climbing on the surface of the objects in the space. The space is obliterated from the established and recognizable impressions, and a mixed and imaginative form is created, ultimately allowing complex and colorful fantasies to flourish.

作品介紹/

頻率之外 Beyond Frequencies

2023/10

LxWxH (尺寸)：36x12x24cm , 12.5x11x22cm
Weight (重量)：1050g ,630 g
Material (材質)：UV Curable Resin (光固化樹脂)

社會建立了一套準則，人們遵循著禮數，塑造了對應的文化反應及行為，而此作品旨在探討社會規範之外的可能性。

在亞洲喪禮文化下，表現出悲慟的反應被視為一種社會期望，並被塑造為儀式性的行為模式。如今，我們試圖探尋其他可能。當人們使用頻率之外，演奏著人耳聽不見的樂曲，引來在迷信中被視為亡靈的生物，成為喪禮上轉悲為喜的契機，社會因此出現不同頻率的聲音，那時，人們對於出現新的選擇會有何反應？社會氛圍又將會有什麼改變？

Society's norms shape cultural behaviors, leading to a one-dimensional society. This work aims to explore the possibilities beyond social norms. In Asian funerals, mournful reactions are seen as a social expectation and have been molded into a ritualistic behavioral pattern. In our hypothesis, people play ultrasound music and attract creatures that are regarded in superstition as dead spirits, becoming an opportunity to turn sadness into joy at funerals. How will people react to the emergence of new choices as different frequencies of voices begin to be heard in society? How will the social climate change?

作品介紹/

McBiota

LxWxH (尺寸)：75x135x65cm , 105x135x65cm , 85x135x65cm
Material (材質)：UV Curable Resin (光固化樹脂)

McBiota 是一款速食店餐點附送的玩具，能夠檢測兩人微生物的速配度，作為雙方的愛情試金石。本作品推測一個微生物醫療盛行、越發重視生產力和效率的世界，人們以微生物科學作為伴侶關係的指標。速食愛情，就像快餐一樣，追求「即時」和「方便」，與其在傳統承諾關係花上大把時間試誤、謀合，不如以更有效率的方法來決定對象。

微生物，這些來自外部的細胞與我們的自體細胞，各占身體的一半，我們還能指稱自己為個體嗎？或著我們是行走的王國，居住著互利共生的微生物群。一個吻能讓人類交換8000萬隻微生物，同居伴侶皮膚的微生物群也有一部分完全相同，換句話說，雙方的微生物會互相搬進對方的體內。當我們尋覓伴侶，如同一場國與國的聯姻。

這時，雙方微生物群相處融洽融洽就很重要，是微生物生死交關的議題，同時影響著宿主的健康和情緒。McBiota 反思人類看待其身體的新型觀點 —— 以微生物平衡為要點的體內生態系；以及，從媒妁之言到線上交友軟體，迭代至更為功利主義新式愛情型態。

McBiota is a fast-food restaurant toy that can measure the compatibility of two people's microbiomes, serving as a litmus test for their romantic potential. This work envisions a world where microbiome-based healthcare is prevalent and there is an increasing emphasis on productivity and efficiency. People use microbiome science as a benchmark for relationships. Fast-food love, like fast food itself, prioritizes "immediacy" and "convenience." Rather than spending a significant amount of time navigating and negotiating traditional commitments, people choose a more efficient method to determine their partners.

Microbes, these external cells that coexist with our own cells, each make up about half of our bodies. Can we still call ourselves individuals, or are we walking kingdoms inhabited by mutually beneficial microbial communities? A kiss can transfer 80 million microbes between people, and cohabiting partners share skin microbiomes to a significant extent, meaning their microbes move into each other's bodies. If we view individuals as "realms," then when two people engage in romantic relationships, is it similar to the marriage of kingdoms?

In this context, the harmony between the two microbiomes becomes crucial, a matter of life and death for the microbes, and it also affects the host's health and emotions. McBiota reflects on a new perspective on how humans view their bodies—as ecosystems where microbial balance is key. It also contemplates the evolution of finding partners, from arranged marriages to online dating, progressing to a more utilitarian form of love.

作品介紹/

faithcessory

LxWxH (尺寸)：17x21x7cm, 8x9x10cm
Material (材質)：925Silver, Brass

這項研究旨在探討東方文化中穿戴配飾所蘊含的象徵意義及信仰背景。受到東方面相學中痣的文化意義啟發，研究將迷信導致的痣弱化現象進行反轉，著重強化臉部特徵中與福氣與運勢相關的部分，並創作了一系列配飾作品。透過此反轉策略，飾品所象徵的美麗和財富意涵得以重新詮釋，同時透過內隱的訊息傳達，挑戰了人們對飾品傳統認知的界定與表達方式。

作品是在探討穿戴配飾所蘊含的象徵意義。

受到東方面相學中痣的文化意義啟發，
把因迷信而將痣弱化的習慣進行反轉，

相對於弱化，
針對臉部特徵中與福氣與運勢相關的部分增強
創作了一系列配飾作品。

融入東方面相學中，顴骨飽滿對應的事業運與財運
以及立體的人中與長下巴對應的長壽面相，利用陌生的穿戴部位以及不符合傳統珠寶美學的幾何型態去挑戰舊有的習慣和審美體系。

探討飾品作為人體的延伸，在美學、情感寄託、經濟能力的展示甚至習慣的肢體語言以外，面相的迷信是否能成為飾品的新立足點？

作品旨在探討東方文化中穿戴配飾所蘊含的象徵意義及信仰背景。
受到東方面相學中痣的文化意義啟發，將迷信對痣的負面詮釋進行反轉，
著重強化臉部特徵中與福氣與運勢相關的部分，並創作了一系列配飾作品。

透過放大象徵福氣與長壽的痣，結合東方面相學中顴骨飽滿對應的事業運與財運，創作出面飾；同樣的，利用立體人中與長下巴對應的長壽面相創作出嘴部配飾。

利用陌生的穿戴部位以及不符合傳統珠寶美學的幾何型態去挑戰舊有的習慣和審美體系。
透過此反轉策略，飾品所象徵的美麗和財富意涵得以重新詮釋，同時透過內隱的訊息傳達，挑戰了人們對飾品傳統認知的界定與表達方式。


This project aims to explore the symbolic meanings and cultural background of wearing accessories in Eastern culture. Inspired by the cultural significance of moles in Eastern physiognomy, the project reverses the negative interpretation of moles due to superstition. It emphasizes enhancing facial features associated with luck and fortune, resulting in a series of accessory pieces.

By enlarging moles symbolizing luck and longevity and combining them with the prosperous facial features associated with Eastern physiognomy, such as full cheekbones representing career and financial luck, facial adornments are created. Similarly, using the three-dimensional chin and protruding lower lip corresponding to longevity in physiognomy, mouth adornments are crafted.

Challenging conventional habits and aesthetic norms, unfamiliar wearing positions and geometric shapes that diverge from traditional jewelry aesthetics are employed. Through this reversal strategy, the traditional symbolism of beauty and wealth conveyed by accessories is reinterpreted, simultaneously challenging conventional perceptions and expressions through implicit messaging.

簡介/

A trip to the future.

每一位進入房間的觀眾，一踏入房間就即刻開始體驗自己的「心電感應」，房間探索的過程都是占卜的一部分，會引導觀眾進入前可以先試想「近期的困擾 or 自我狀態」，在房間與每一件作品進行互動，找出第一眼看見或是最有印象的作品，房間會設計指示讓大家可以針對他有印象的作品，深入看其牌義，進而去思考自己的投射去對應自己設定的問題和未來的發展方向。

同時會設計實際諮詢服務，以「你的未來建議書 Your Future instruction」作為命題，讓每一位同學們或其他觀眾都可以預約占卜服務，引導他們思考自己的未來職涯方向或是目前遇到的問題，ex.持續進修、先就業累積經驗、創業、合作展覽呈現更多作品等等。諮詢會針對每一位同學的狀態，設定適合的占卜的題目應對，針對個人實際狀況做整體建議，使用工具會搭配占卜、馬雅曆法、占星，視個人情況和問題做不同因應調整，讓大家可以透過20分鐘的時間找到自己的未來方向。

諮詢服務 - 你的未來建議書 Your Future instruction
$588 / 次（20分鐘）

從早期台灣設計師週的民間自發性活動開始，設計師在經歷過商業案的洗（ㄘㄨㄟ）禮（ㄘㄢˊ），往往都希望藉由創作參展獲得一些新的動力繼續往前，那些從設計觀點出發的創作少數會進入量產市場，其他止步於就是創作，更別說進入如藝博會這樣的市場產生新的生命。


然而國外有「Design Gallery」能媒介Collectible Design作品進入藝術市場，或像是米蘭的「Salone del Mobile Milano」、比利時的「Collectible」、東京的「DESIGNART TOKYO 」、邁阿密的「Design Miami 」等展會可以展出。台灣大小藝博會遍地開花，當代藝術逐漸打開封閉之門進入大眾視野同時，也能從「新一代設計展」這樣的學生畢業製作聯展中發現，有越來越高的比例看見同學不是做解決問題的設計，而是從自身出發的創作，甚至也有幾間大學引進如推測設計這種新興的設計方法，設計觀點出發的藝術創作，已是世界趨勢。


今晚邀到以不同方式參與《ΔDesignArt 2024》的幾位設計好友們，齊聚設計師葉忠宜美麗的家中，進行一場別開生面的吃吃喝喝聊設計與藝術的對談聚會，當中談出了許多有趣的觀點，可作為未來台灣新銳們發展創作生命的方向。