座落於南投草屯的毓繡美術館由企業家侯英蓂、葉毓繡夫婦創辦，不只以清幽怡人的環境著名，自 2016 年開幕至今，翻開每檔展覽記錄，其中展現的包容性與多元開放的態度，都讓展出每每備受好評。其中，讓我們眼睛特別為之一亮的是，2021 年「詩性 維度」展覽中有台灣藝術家暨品牌設計師徐瑞謙以來自「浴室」的日常物件構築作品，而館內現正展出的王譽霖 × 周霽恩創作展，則挑選從創作市集起家、也曾參與 2024 年首屆 ΔDesignArt 展會的「臍加厝手路金工」，走入美術館，獨特的策展視野翻轉眾人普遍對這般藝術殿堂帶有距離感、高冷的認知想像，實在令人好奇。

這些看來將藝術與設計成分靈巧拿捏於大雅之堂的呈現，幕後如何規劃與思考?

隨著由南港老爺行旅主辦、設計發浪 DESIGNSURFING 策劃的 2025「ΔDesignArt」設計藝術展會登場在即，今年我們不僅延續上屆做法，集結所有參展者留下訪問記錄，更加碼邀請設計與藝術領域專業人士帶來深度觀點專訪，首篇就由毓繡美術館館長黃翔展開精闢分享！

設計之於美術館，是必要存在的「動詞」

在黃翔眼裡，藝術的純粹性，就如哲學家華特・班雅明(Walter Benjamin)在〈機械複製時代的藝術作品〉(The Work of Art in the Age of Mechanical Reproduction)一文，將藝術品凝結當下時空與心境的一瞬以「靈光」優美譬喻，當人們面對藝術創作時所感受的觸動或衝擊，將是獨一無二的過程;而在美術館這樣多半被視為「藝術」典藏與發生地的場域，她認為「設計」則更像是一種行為、一種「解決事情的方法」:「比起作為描述領域的名詞，『設計』在藝術館所更像是一個動詞，代表美術館用什麼樣的精神與方式回應藝術品的挑選與展示，處理作品跟觀眾之間的溝通狀態。」

黃翔過去學的是商業設計，並經過博物館學研究所歷練，擁有臺北當代藝術館展覽組組長、獨立策展人等豐厚經歷，她認為藝術與設計兩者雖各是一界，「但它們之間會有交集，這個區域是浮動的，可大可小，有時候相互融合，又或者處於兩者之間的游離境界。」而交織藝術、設計與博物館學的背景，讓她更擅於將藝術領域形而上的思維予以條理化並落地實踐，能更有意識地與行銷概念揉合、推演藝術能夠以哪些形式走入生活。

黃翔指出，儘管相對於藝術，設計總是很難被切割、爬梳如藝術史那般具備完整主軸和脈絡，「因為設計是為了解決問題而存在，會不斷創造出不一樣的轉化過程，很難被化約為一種固定 SOP。」然而在藝術現場，「設計」卻切切實實地是不可或缺的存在，以毓繡美術館為例(甚或是所有美術場館)，空間和藝術創作的對話、觀展的舒適性至關重要，展場色調、作品安置、現場燈光與動線都會影響觀者的體驗，「這其中絕對不能缺少『設計』的涉入，規劃時要以設計構成策略，再安排細節。」黃翔說道。

「在這個時代，並非事事都只能有一種定位，
有如變形蟲般不斷變化、能夠與不同類型的人們溝通和分享，
才是創作最核心的本質。」— 毓繡美術館館長 黃翔

踏入第二屆的 ΔDesignArt 現場，在南港老爺行旅主辦、設計發浪 DESIGNSURFING 策劃下，整層飯店樓層再度化身交融設計與藝術無限想像的多寶格，尤其今年主題借鏡餐酒文化中的「Pairing 配搭」概念，無論是人與人聯手、材質交融、領域跨界，又或是跨感官、跨性別、跨國籍的創作組合，都深切呼應展會命名以數學符號 Δ（Delta）表示加入特定變因數量變化的意義，傳達將材質、技藝等特殊變因放進設計（Design）與藝術（Art）光譜後激發的實驗可能，逐一打開 17 個房間，一品設計與藝術混搭的驚奇風味！

從美術館本身到藝術商店的經營，甚至是園區中的百書咖啡廳，都由團隊藉著這樣的思路執行展覽策劃與選物，她也建議藝術家可以透過設計的條理加強作品意念傳遞， 設計師則能以藝術的天馬行空賦予作品更多獨特與創新性 ── 總之，能夠善用並把話說清楚，最重要(笑)。

當 DesignArt 躋身藝術殿堂

在奠基者李足新前館長的定調下，毓繡美術館秉持推廣「當代寫實」的信念，傳達藝術家以「寫實」技法展現對事物的觀點，並透過「當代」的闡述方式加以重新詮釋，兩者緊密共存、無法脫鉤，而館方也會依據藝術家性格、創作屬性調整作品被觀看的方式。也正因這樣相互包容的特性，儘管並沒有刻意為之，卻也讓具備這兩項要素的 DesignArt、Collectible Design 有了走入美術館場域的多元契機。

2021 年毓繡美術館推出的「詩性維度」展覽，挑選台灣藝術家暨品牌設計師徐瑞謙的 《浴室》展出，作品有肥皂的存在、磁磚的轉化，一如他擅長破壞日常事物的原有基準，以抽離或陌生的視角重新感受，黃翔評道：「當時正值疫情解封，這件作品將浴廁這樣私密場域中的物件重新拆解、塑造成構築藝術作品的材料，讓觀者有了觀看物質的詩性視角，也符合我們希望作品具有療癒作用的價值，在設計與藝術之間拿捏的尺度非常巧妙。」

而近期在毓繡美術館商店空間展出至 7/27(週日)的「物與物」，是「臍加厝手路金工」創辦人王譽霖、周霽恩的創作展，也是 DesignArt、Collectible Design 走入美術館的佳例。工具為物、材料為物，兩人將各種工具與金屬層疊作用，試圖打造出一柄尺、蝴蝶的翅脈等，以物造物，傳達的是「物不僅止於物」的精髓，更重燃對生命的想像、提問與感受。

品牌從市集起家，爾後在畫廊帶領下走進藝博會、甚至以藝術品狀態售出，在台灣品牌中實屬難得，黃翔認為，其創作的耗時性，正是生活中「慢」步調的代名詞：「早年就在市集認識他們的作品，正契合對寫實、當代工藝的探索，於是就和我們的創意運用整合經理葉宇眉討論邀請臍加厝展出，也實踐毓繡美術館希望持續支持台灣創作者理念。」

黃翔說，藝術與設計進入現代化背景下是持續交互發酵的，在毓繡美術館極力走入偏鄉校園推廣美學教育時，「設計力」成為規劃教案、傳達想法與意念的工具；而美術 館商店也在空間中構思精緻的主題式展覽， 甚至鼓勵藝術家可以透過設計將創作概念商品化，像是主場館近期展出「遊物時間」展覽，便推出展覽周邊咖啡精選掛耳包，由咖啡師黃俊堯以藝術家作品激盪感官、轉化為風味咖啡豆，4W STUDIO 則量身設計精緻包裝，讓藝術畫布創造日常味覺旅程，「毓繡美術館也想讓大眾理解，參與藝術的過程可以很舒服、親和。」藉由這些機制，藝術更能與生活融合，與大眾親近。

「我們只是太習慣將事物以二分法區隔，藝術和設計的交會是始終存在的狀態。」
— 毓繡美術館館長 黃翔

把門敞開，只願觀點獨特

曾在 2019 年前往美國紐約駐村交流的黃翔說，歐美常見藝術家與服裝設計師攜手製作聯名服裝，MoMA(現代藝術博物館)的藝術商店也以獨到且精準的商品設計備受全球參訪者喜愛；她認為毓繡美術館的運作模式也是藝術與設計交融、整合的成果，作為美術館營運者，需要如編輯般梳理「版面」，編輯文字的段落安排、起承轉合，思 索作品要如何被「閱讀」，過程中「設計」的邏輯是必備且不可分割的。因此，她也期許台灣的創作者們在定義自我時也不必以單一的藝術家、設計師等角色將門窄化，毓繡美術館便寧願把那扇門開得寬闊，廣納各種特別、不受限的可能性 ── 「我會形容，我們比較像是一本獨立出刊、選題獨特的小誌!」她爽朗地大笑。

2025 ΔDesignArt 借鏡餐酒文化概念中的「Pairing 配搭」為主題，期待探尋 DesignArt 在台灣的發展樣貌，黃翔樂見設計、藝術可以被同時觀看及討論:「不同角色的人們共同討論藝術是什麼?設計是什麼?當它們相互碰撞的時候，又會是什麼？光是這樣的對話，就可以產生很不一樣的腦內激盪。」甚至也認為，這不僅可以讓觀眾從多面角度培養美學涵養，對於相關從業者們而言，也能在整合專案時有更好的思考切入點、擁有更多包容心。

鬆動，就能替未來開創更多可能。

ΔDesignArt 靈光一閃問答亭

Q1:DesignArt / Collectible Design 在您心中的意義是什麼呢?
它們長得很像變形蟲(笑)，可以回應任何觀看者和可能性，隨時調整自己的色彩、 形狀、尖銳度與材質感，像是一種有趣的介面!

Q2:也請推薦一個設計與藝術間的 #hashtag 給大家吧!
#野口勇。
我個人很喜歡日裔美籍藝術家野口勇(Isamu Noguchi)，在紐約駐村時曾參觀野口勇博物館(Isamu Noguchi Garden Museum)，他的文化背景橫跨美國、日本，作品不囿 於日式美學， 包含石雕、庭園裝置一直延伸到令全球風靡的 Akari 和紙燈，這些都是他在自身的美學基調上因應型態應用做了不同調整，對當今的公共花園、景觀雕塑或室內氛圍形塑都產生重大影響。

Interview & Text / Irene Lin
Photography / Irene Lin（另標示照片出處者除外）

2025「ΔDesignArt」在 5/9 至 5/11 於南港老爺行旅為大家帶來打開創作眼界與認知的盛會，隨著展會和同時間亦於南港展覽館二館登場的「新一代設計展」落幕，也象徵著應屆畢業生們即將邁開嶄新的人生旅程。

寫在畢業典禮陸續到來的此時，本屆 ΔDesignArt 難能可貴的正是再度透過「設計系學生藝術沙龍」看見不少充滿觀點與態度的創作，同時也揭示著設計科系畢業製作趨向藝術創作的態勢。作為學生徵件評審，三頁文設計創辦人顏伯駿、中華民國藝評人協會現任理事長陳晞及陽明交大應用藝術研究所助理教授顧廣毅，分別在設計與商業領域、媒體業界及藝術市場、應用藝術學界與設計界深耕，三人都對這股「設計與藝術共融」的浪潮有獨到觀察，或許在鳳凰花開時可以為你的創作未來點一盞光明燈、在飄揚的片片花瓣中尋找自己的盛放之地！

三頁文設計創辦人顏伯駿（左）、陽明交大應用藝術研究所助理教授顧廣毅（中）、中華民國藝評人協會現任理事長陳晞（右）。

談 DesignArt，先從分野聊起

ΔDesignArt 意在探索臺灣「設計藝術」的樣貌，而 DesignArt、Collectible Design（收藏型設計）風潮在歐美、日本已行之有年，為這次專訪難得齊聚的顏伯駿、顧廣毅和陳晞都認為，要能理解從設計（Design）、藝術（Art）到設計藝術（DesignArt）的演變與交織，必得先從設計與藝術的定義說起。 

 顏伯駿首先提及，相對於發展時間源遠流長的藝術，近代廣為大眾所知的「設計」則是工業革命後才開始欣欣向榮，「從時間軸來看，設計還像個『小寶寶』，我們所談論的現代設計以 1920 年代出現的德國包浩斯主義為濫觴；第二波則是強調從人的需求出發、為各種議題尋求解決方案的『設計思考』（Design Thinking）。我認為現在討論的 DesignArt，是設計正在經歷一段文藝復興時期。」

「設計始終面向市場、使用者，在本質上是一種溝通，一直以來常被視為『服務』角色；

著重自我脈絡的藝術，則更傾向是一種喃喃自語的獨白。

設計藝術介於其間，就像是在不斷溝通的過程中，情不自禁地將心聲表露出來。」— 顏伯駿

陳晞則深受臺北市立美術館（以下簡稱北美館）曾展出的「未完成，黃華成」展覽啟發，遊走於各種創作領域的前衛藝術家、平面設計師黃華成，讓他體悟到一個人的創造是根植於生活和對世界的意識形態，我們不一定非要將事物加以區別，「這些分類從不會真正困擾一個積極思考創作的人。」熱愛音樂的顏伯駿也以非法利益合唱團（The Velvet Underground）那張由 Andy Warhol 親手繪製香蕉作為封面的專輯《The Velvet Underground and Nico》，拋出是產品還是藝術的提問，同時憶及 1998 年北美館以「慾望場域」為題首次舉辦台北雙年展、看見外牆貼滿大型廣告時那股難以名狀的衝擊：「在成長歷程中，讓我有所感動的事物遍佈於生活。我覺得設計和藝術本來就交融在一起，只是現在才逐漸被大家所意識 ── 這兩個領域在物件上互相對話產生的影響力，可以超越領域本身的侷限。」他說道。

畢業於荷蘭安荷芬設計學院（Design Academy Eindhoven）社會設計研究所的顧廣毅，具備牙醫師、生物藝術家以及社會設計師等身分，對他而言「跨領域」更始終是一種自然而然的發生。尤其在安荷芬的教育養成與氛圍陶冶下，他說學生們便是「過著藝術家生活的設計師」，畢業製作常一如藝術品以限量、高單價方式推出，並總會有各大 Design Gallery 和藏家在畢展中網羅優秀作品和創作者；而被指標藝廊或人物相中的創作也往往會在當年的米蘭設計週大紅大紫，許多人畢業後亦隨即加入 Design Gallery、投入 Collectible Design 創作，甚至自行開設工作室。 

有趣的是，三人都同意區分設計與藝術主要取決於歷史脈絡，以及創作者本身受到何種創作方法訓練，但陳晞與顧廣毅也不約而同地提到，設計、藝術邊界的游移亦出於對國家及產業延伸的「資源系統」考量，為了獲取運作支持，創作者就得嘗試歸類每回的創造究竟屬於何種維度，顧廣毅以自身經驗分享：「這端看政府和組織怎麼分配資源，譬如我在台灣申請得到的補助來源通常是『視覺藝術』相關類別；但在荷蘭則全都來自『設計』項目經費，報名視覺藝術補助還被回絕，他們都覺得我就是設計師。」三人不約而同地感嘆：「這真的是一件很現實的事啊！」

跨入藝術市場、為創作開闢新路 ── DesignArt，有可能嗎？ 

直至現今，設計與藝術固有的定義不斷被突破與擴張，「形隨機能」（Form Follows Function）的原則雖然為設計深植了帶有功能和目的性的印象，然而顏伯駿興奮地提到：「但如果這個目的是『感動』呢？」他指出，設計業界早已不再限縮於傳統樣態，日本團隊 we+ 雖自稱為設計公司，但關注環境與社會中的非主流議題、作品具強烈藝術感，比方《Refoam》便以回收保麗龍溶解再製為簡約又美觀的家具，又或是將廢電纜銅線視為都市叢林的銅礦加以再利用再製成家具，均是以浪漫又感性的思維看待設計。

同時，因應創作動機及市場差異，藝術品少量創作、設計品大量量產是通則；然而以近年對收藏市場狀態的觀察，顏伯駿發現藝術市場的價位區間傾向更為多元，創作者會用不同方式讓自己得以生存，高單價、量少並深具藝術思維的設計品項也不斷出現。他與陳晞都認為，臺灣現今青壯世代成長過程中的學識與物質條件背景，對藝術普遍能產生慾望投射和想像，或許也進而推動眾人對設計的期待不再僅限於追求功能，新生代藏家購藏的關鍵更在於收藏是否能夠帶來療癒與自我滿足的價值。

陳晞過去曾任《典藏ARTouch》社群暨企劃主編、非池中藝術網資深編輯，走訪眾多藝術博覽會的他提到，曾在台北當代藝博會見到畫廊將竹製工藝作品巧妙納入展區，訝異之餘促使他反思藝術博覽會的框架；或許我們也能從香港當代視覺文化博物館 M+ 近年持續登場的藝術家具、藝術設計展覽汲取經驗，先不急著定義誰是設計誰是藝術，而是讓人們先感受它們的存在，再激發思考。臺灣方面，「臺灣當代文化實驗場 C-LAB」每年鼓勵實驗性創作的「CREATORS 創作 / 研發支持計畫」，以及草率祭這類非典型藝術博覽會，都將是讓 Collectible Design、DesignArt 進入市場的蓬勃能量。

他也想起冰島藝術家 Olafur Eliasson 在 2012 年推出的「小太陽」（Little Sun）計畫，這位 6 月將在北美館推出國際重量級巡迴大展的藝術家，透過燈具開發讓沒有電網鋪蓋、資源匱乏的地域也能用潔淨且低廉的「太陽能燈」照亮生活，以藝術視角思考如何給予環境與人們實質幫助，便是以藝術投身 DesignArt、極富創造力的一例。

「藝術圈已逐漸為 DesignArt 這個範疇打開更多空間，

思考新的作品型態如何與過往既有的創作類別溝通。 」— 陳晞

冰島藝術家 Olafur Eliasson 的「小太陽」計畫，以衣索比亞原生植物 Adey Abeba 的黃色小花為靈感設計出可手持小黃花燈具，並邀請當地企業擔任銷售商，再將所得用於地方基礎建設和教育，形成富有意義的循環，後來甚至持續進化、推出新一代產品。

陳晞分享，Silvio Lorusso 所著的《What Design Can't Do: Essays on Design and Disillusion》頗能呼應周遭設計師和藝術家朋友共同遭遇的問題：不希望設計再以一種「萬能主義式」的視角被期待與想像，更重要的是要在創作中能回看自身。

這般疆域融合的現象也反映在教育現場。近年來許多設計系學生的畢業製作越來越趨向於藝術創作，旨在直面自己在乎的議題、深掘內心思想，不再只關乎服務、關乎如何替他人解決問題，顏伯駿、顧廣毅與陳晞對此都抱持正面態度。

顧廣毅原就推薦《The Auto-Ethnographic Turn in Design》（設計中的自我民族誌轉向）一書中提出的「自我民族誌設計」，這個觀念主張設計應從自身故事出發，尤其能幫助理解及發展 DesignArt。去（2024）年他受邀回到荷蘭母校帶領畢業製作，更發覺不少出身曾被殖民統治區域的學生，如今紛紛將研究主題聚焦於「解殖 / 去殖民」，調查原生地受殖民產生的影響，再藉由設計找回文化主體性；甚至白人學生亦出於歷史中被視為「壓迫者」的角色，殷切地追溯自身是否還流淌著其他文化的混血血統，由此重新解構白人的身分認同，這些都恰恰印證    DesignArt 的趨勢變化與自我民族誌設計的深刻應用。

《The Auto-Ethnographic Turn in Design》書中收錄中國設計師  Jing He 的畢製作品《Tulip Pyramid - Copy and Identity》，以實際發源自中國青花瓷、常見於荷蘭日常生活的臺夫特藍瓷鬱金香花器為靈感，用翻玩、共創的設計手法探討西方對中國抄襲文化的諷刺與揶揄。顧廣毅讚道：「這個作品挪用真實花器討論設計師本人切身相關的社會議題，亞洲觀眾看得懂、歐洲觀眾看了也會有所反思，後來既被美術館典藏、也在 Design Gallery 展售，是我心目中 DesignArt 的成功代表。」

今年三人也都擔任 ΔDesignArt 「設計系學生藝術沙龍」徵件評審， 並且一致覺得所見的作品型態與往常參與的藝術博覽會、藝術獎項相當不同，感到十分驚喜。他們從投件作品中洞察學生們的未來潛力，例如張宇蕎的《Ochre Frames》將女性月事以極有創意、近似「邪教化」的方式昇華，賦予難忘的儀式感和別於以往的論述，令人耳目一新；也有像是戴抒瑜《社交光鐘》這路，以設計方法探索並處理非同一般的問題，在產品設計的訓練下將所關心的議題轉化為日常物件；又或是如《海廢 · 家》的梁丁元，讓人造物在最小限度的再製與工藝打磨下，達到兼具藝術性表達、賦予新生、予人療癒與喜悅的狀態。

顏伯駿歸結，當代設計如今面臨的僵局源於許多主題已過度氾濫，於是學子們試著以當代藝術的思考邏輯與創作方式導入設計脈絡、突破創作疆界，「學生的奇思妙想本來就不應該被任何市場因素綁架，只管盡情傳達自我。」他們樂見大家摸索不同的思路、技術與形式，盼望藉著 ΔDesignArt 這樣的平臺，讓「做著不一樣事情」的新一代設計師、藝術創作者有機會被看見。

 ΔDesignArt 2025「設計系學生藝術沙龍」展間現場： （左至右）張宇蕎《Ochre Frames》、戴抒瑜《社交光鐘》、梁丁元《海廢 · 家》。

共構健全生態系，「未來能走向何方」是思辨核心

訪談最後，論起「DesignArt」的未來，陳晞認為這門領域在臺灣的整體發展階段仍相對「野生」，優勢是產業上還沒有太多人應用與競爭，但這又正是 DesignArt 的困境所在：必須仰賴創作者帶領政府、企業乃至大眾創造想像、凝視與渴望，讓臺灣的藝術、設計文化有更多樣的可能性。他也觀察到，「舉辦個展」是藝術家們經常投入之事，但是臺灣的設計師似乎很少這麼做：「個展能向大家展示著本身組織了什麼樣的舞台、傳遞創作探討的主軸，或許設計師們也可以試著規劃這件事。」陳晞認真地鼓勵道。

一個健全的生態系需要各個環節環環緊扣、相互支持才能達成永續，顧廣毅指出，要能為 DesignArt 建構良善系統，得有學校培育創作者，美術館、博物館做典藏研究，加上 Design Gallery、如威尼斯雙年展那樣完整梳理的大型博覽會等等持續推進，向大眾推廣、讓藏家購入收藏，種種面向缺一不可。顧廣毅也曾參與 2024 年度 ΔDesignArt，當時與現任實踐大學工業產品設計學系副教授的宮保睿展出共創作品《游離男性乳頭》，他有感而發地說，遊走於邊界、總是跟身旁的人想法有些不同的創作者，或許不免感到孤獨，「不過 ΔDesignArt 就是在為臺灣創建新生態系中的其中一環，我也很期待看到新興場館和機構能有興趣納入更多不同觀點。」

「ΔDesignArt 讓這些看似特立獨行的人們有機會與擁有類似想法的觀眾、工作者相遇，

並期許在未來的路上成為彼此照應、一起冒險的夥伴。」— 顧廣毅

顧廣毅與宮保睿於2024 年度 ΔDesignArt 展出《游離男性乳頭》。作品從性別平權社會運動「解放乳頭運動」（Free the Nipple）中獲取靈感，反思不同文化背景的女性所面對身體解放的矛盾與困境，並回應到男性身體的省思。

顏伯駿則直言臺灣人民對國家、對自我文化的自信仍普遍低落，呼應顧廣毅所提到的「自我民族誌」方法，他提出臺灣不論設計、藝術都能以「混種文化」的強烈基因為優勢，這片土地從清代、日治到現代經歷了政權及人口結構的快速流動，誕生混雜卻生猛的文化氣息：「這種『混合』在外人眼裡是獨特的，我們要善用這種既淺根又混種、隨機應變的性格，以回歸自身土地與生活的故事緊抓世界的目光。」他笑說希望有越來越多金主爸媽可以在 ΔDesignArt 這樣的展會看見人才，「聚集，就是為了要產生現象；產生現象，就希望接下來能被合理相待、運用。」更盼望ΔDesignArt 變成實驗溫床，在這裡看見設計、藝術的激辯現場，共同激盪強而有力的文化語彙。

模糊的分野激發盛放的創意，最後引用顏伯駿這番語重心長的話語作結，為設計與藝術的交會提供一題思辯：

「不論是藝術或設計，人類面臨的最大議題，

過去是生命個體的生死與對永生的追求，現在則是整個地球的存亡。

以往我們強調設計讓生活變得更便利而美好、藝術使精神變得更富足，

如今的考驗卻是人類是否能夠協力延續這顆星球的生命，

設計與藝術擁有的共同目標都將是：我們的未來，應該往何處前進？」

— 顏伯駿

ΔDesignArt 靈光一閃問答亭

 Q1：DesignArt / Collectible Design在您心中的意義是什麼呢？

 顏伯駿：設計是一種溝通狀態，藝術是一種獨白過程，DesignArt 則像是在溝通的過程裡，一不小心把心聲說了出來（笑）。

 顧廣毅：用三個形容詞來詮釋它們的特性的話，首先是曖昧，這是探索新事物的第一個階段；再來是前衛、先驅的，它們是超脫當下的先驅者，雖然往往最是勞心勞力、也不是享受甜美果實的人，但唯有這樣的奉獻與實驗，才能有讓後代有更美好的一切。

 陳晞：對我來說 DesignArt 是在目前藝術與設計框架的邊界，重新思考兩者可以擁有何種創作的意識形態，重新連結社會實踐、思索創作跟倫理間的關係，是一個嶄新的路徑想像。

Q2：也請推薦一個設計與藝術間的 #hashtag 給大家吧！ 

顏伯駿：# Björk碧玉 #拿起工具再放下工具。

我很喜歡的冰島創作歌手Björk（碧玉），她的音樂兼容並蓄，涉及另類搖滾、爵士、電子舞曲、古典樂和前衛音樂等各種樂風，海納悠久的歷史和大量流派。藝術跟設計之間能容納的討論真的太大，大家溝通的方式、邏輯都不一樣，當我們一直想在其中找到中間點、探討該如何定義的時候，我反而覺得更不需要強加定義。舉 Björk 的例子，除了來自冰島這項獨特的文化基因外，她的每一張專輯都能創造一套屬於她的樂器表現，一切都根據樂器特性產生呈現方法，這樣的包容性將能回應更廣闊的內容。

同理，DesignArt 的核心應是讓藝術家和設計師能從藝術、設計領域中提取自己的獨特切點，將它們視為傳遞想法的工具，既能拿起運用，也能放下和超脫，走出一條屬於自己的新路徑。

顧廣毅：#AutoEthnographicDesign，也就是 #自我民族誌設計。
由荷蘭安荷芬設計學院學者 Louise Schouwenberg、Michael Kaethler 編著的《The Auto-Ethnographic Turn in Design》（設計中的自我民族誌轉向，書籍照見下圖），透過書中收錄的學生作品及教學實驗心路，提出並闡釋「自我民族誌設計」概念。

書中提倡設計師不再只是傲慢地認為自己可以透過使用者經驗研究、問卷等設計方法知道使用者與消費者的需求，反而應該虛心地從自身故事出發，把自我當作田野調查對象，每一個存在於社會中的設計師個體，也在環境中折射、反射了相似的眾生，進而產生真正的連結與同理，淬鍊成設計計畫，這個觀念在 DesignArt 的脈絡中非常值得被大家理解。

陳晞：#系譜Genealogy。

「創作想要在什麼樣的系譜中對話」是我觀察很多當代藝術家舉辦個展或參與藝術節、甚至為不同單位製作作品時都會注意的核心，因為藝術圈本就注重藝術家本身的創作脈絡，無論做怎樣的作品，都會思考它在過去、現在、未來的節點中要如何被觀看與審視，並影響創作語彙。所以我認為「系譜」會是創作者們需要面對的思考。

顧廣毅推薦：荷蘭安荷芬設計學院學者 Louise Schouwenberg、Michael Kaethler 編著的《The Auto-Ethnographic Turn in Design》。

簡介/

衣.ZiP 發想於2022年，最初為台藝大視傳系的畢業製作主題，曾榮獲放視大賞金獎及A+文化資產獎金獎。衣.ZiP以創新的方式重新演繹快時尚和舊衣回收等議題，將其轉化為具美感且有收藏價值的作品。未來的創作將更聚焦於環保再生等理念，敬請期待。

Q一下 展上見/

1.如何看待自己的作品？是設計還是藝術，或是其他？
在我們的作品或者相關領域上，也常碰到這種疑問，比如說把舊衣拼接成名畫，或是用舊衣變成全新產品等。因為設計和藝術的界限是模糊的，我們認為，設計注重功能和實用性；而藝術則偏重於表達思想和情感，但介於設計和藝術之間的作品通常既實用又能傳達出美感，解決問題的當下，也能引發思考和討論。
但不論被大眾或者誰定義成哪一個象限，我們在創作上都更專注於從目標出發。強調可持續的材料和工藝，達成設計和藝術的融合。同時以我們的方式表達循環再造的理念，這種跨界創作在現代非常重要。

2.你們認為台灣市場中，介於設計與藝術間作品的發展困境是什麼？如果有可能性的話，那又會是什麼？
現在在台灣市場，那些介於設計和藝術之間的作品面對的是，人們對這些作品的了解和接受度不高，而且缺乏資源支持，所以較難找到合適的展示方法來推廣到大眾的視野下。

或許，我們可以採取一些簡單的方式。比如利用網路平台來推廣作品，提高作品的知名度和影響力。同時，也可以利用台灣的在地文化與相關產業來培養人才，為這些跨界作品打開更多的發展機會。

3.「衣.ZIP」在新一代設計展的金點新秀設計獎未獲獎，但你們的作品卻完售備受市場肯定，對於台灣畢業設計展中越見多元的畢業作品，身為學長姐，你們認為學弟妹們應該如何從畢製連結發展自己的職涯？此外，「衣.ZIP」下一步的計劃會是什麼？

畢業製作可以說是設計系同學在學習過程中最重要的一環。要將作品與職業發展聯繫起來，關鍵在於建立品牌意識，不斷地嘗試累積作品，並在各種平台上展現自己的作品。找到屬於自己的特色，並無限地放大，持續追求學習和尋找機會。

希望更多人能夠認識我們品牌，未來擴大推廣，為我們的作品創造更多的展覽露出機會。我們相信利用這種將舊衣服轉化為名畫的形式，能以獨特且直覺的方式來提倡環保與永續的理念，並且致力於讓每一件作品不僅僅是一件藝術品，更是一個以循環再造為主軸和可持續發展理念的媒介。

4.對 ΔDesignArt 的期許？

感謝這次能共同分享對於這些議題的看法。ΔDesignArt 是一個推廣藝術、設計跨領域方面非常好的一個展會。期待未來，ΔDesignArt 能夠為藝術和設計學子們帶來更多元、更獨特的方向，成為跨領域時代指標性的活動。

5.給我們一個設計與藝術間的Hashtag

＃Ancho (Annie Choi)

來自美國紐約的藝術家 Ancho 擅長透過動畫表達她獨樹一格的觀點和氛圍，非常推薦大家欣賞她的作品。這是一種讓人腦洞大開的體驗，從生活中不起眼的小事物中找到創作的切入點，這也是我們能夠持續熱愛創作的原因之一。要有包容的眼界，才能看到更多有趣的事物。

# house of errors

在探討藝術與設計之間的可能性時，可以運用許多媒介來表現，但就我的觀察來說，服裝設計是最能讓我感到悸動的選擇。在現代，大家都會去研究穿搭，發現自己的可能性。我平時就喜歡研究一些時尚或街頭潮流品牌，House of Errors是我最近的新歡，雖然受次文化影響的時尚品牌不少，但敢於嘗試使用新材質並搭配奇特元素、不被框架所束縛的品牌卻很少見，這讓我覺得非常有魅力。

使用服裝作為舞台展示各種生動的場景，結合刺繡、針織、印花等多種表達方式，對我來說，這正是藝術與設計的融合，再加上人的參與，就變成了一件非常美妙的事情。

#KanyeWest #VirgilAbloh

對我來說，這兩位對我的影響深遠，不論是美感、思想、設計、藝術性還是Vibe。如果你也想挑戰並不斷模糊藝術與商業的界限，那麼我認為 Kanye 和 Virgil 是你需要了解的。

簡介/
以設計做為一種可以討論的開放式議題，切入生活不同層面所展開的各式企劃製作工作室。
Art shop project
主題式選輯橫跨藝術至設計領域的創作型產品，透過和不同的空間與品牌合作，打造專屬的藝術商店。

參展者介紹/
CIZ / 張芝瑄

張芝瑄，桃園人，自幼在家人的牽引下接觸大自然，植物成為了童年成長時期的重要陪伴，如同家人般的存在，也是她感知這個世界的媒介，任何細緻微不足道的小至大事都能透過大自然窺見真理的全貌。
從事設計領域10年間，擅長花藝、產品設計、攝影、空間規劃；2016年投入藝術創作，將個人經驗透過大自然轉譯，利用自然媒材或異材質結合等手法講述大自然給予人的訊息，即為生命每一刻的短暫及珍貴，花開花落稍縱即逝的美。
CIZ 意涵著 “ Seize “ the day 享受當下 — Roman poet Horace's 《 Odes 1.11 》

Dye業 / 連威棣 Wei-Ti Lien

連威棣藍染工作室主理人-連威棣 Wei-Ti Lien。
1992年出生，畢業於實踐大學工業產品設計學系，在國立台灣工藝研究發展中心服替代役期間接觸藍染工藝，並於染織工坊修習植物染色技術。 2017年結束產品設計師工作後，成立dveve studio，以藍染作為主要的媒材進行創作，偏好以精準的線條與幾何的造型語彙來構成畫面，希望透過作品傳遞藍染過程的精神與價值所在，而不僅是顏色本身。

創作理念/
作品風格上多是由簡約且明確的深淺色階組成，會這樣呈現有幾個原因，一個是個人的美學偏好，再者則是這樣輪廓相對明確的色階，其實正好能將藍染其過程的步驟展現出來，藍染是一種氧化還原染料，需透過一次又一次的氧化，才能得到所想要的深度，因此，畫面上的色階有如過程的解剖般，揭露了藍染工蓺的精髓，我非常在意用藍染來創作圖面的合理性，因為我認為，當圖面的圖案過於具象時，人們的焦點便會聚焦在作品的意象傳達，此時，我認為使用任何能產生藍色的顏料或化學染料都能替代，當我只是單純把藍染，當成藍色顏料來使用時，其實也便失去使用它的價值，因為我不是因為喜愛藍色而喜歡它，而是因為從藍草植物取得葉片、製成可使用的藍泥染料、到最後培育染液發酵，得到顏色的整個濄程讓我覺得很美麗，所以我才喜歡藍染，也是我認為這件事藝術價值最高的成分，因此這些平面作品，都像是一個個入口，帶領人進入我所經驗的藍染的動人之處。

DESIGN issue Q一下 展上見/

1.從你的產業及專業來看，如何定義什麼是介於設計和藝術間的作品？
以藝術創作為出發點，為了讓人感受到想傳達的藝術觀點而透過設計手法創作出來的作品，同時帶有基礎可使用的功能性，藉由使用來感受作品背後藝術性的觀點。

美術館在每個城市都扮演著美學教育的角色，從幼齡學童到青少年學生，各種年齡族群的人都會出現在美術館，美術館商店就從商業切入一個巧妙的定位，引進同樣具備藝術氣息的設計類產品，在商店內延續了藝術展的氣氛，進而提升消費者的購買（收藏）意願。國外有很多獨立的私人美術空間在美術館商店的設定總是品味極佳，甚至創造新的購物體驗，連購買一張明信片都會成為一個看展的永恆回憶，珍藏在家中的某個角落。

具有絕對話語權的美術館場域內，美術館商店扮演著教育藝術設計消費的角色，消費者也較難以 CP 值高、品牌迷思等奧客盲點去指教產品，所以我認為美術館商店是國外發展這股趨勢很重要的起點之一。

4.對 ΔDesignArt 的期許？
成為一個能夠為藝術設計類型創作發聲的平台，達到兼具教育推廣與娛樂意義的活動。

5.給我們一個設計與藝術間的Hashtag
#neonrated
這是一個新世代美國獨立電影小發行商，之前我看了許多很有趣的獨立電影，後來才發現都是這間發行商推出的作品。像是《寄生上流》、《鈦》、《瘋狂富作用》、和去年的《墜惡真相》，今年坎城影展最佳電影金棕櫚獎頒給了《歡迎光臨奇幻城堡》導演 Sean Baker 的新作《Anora》，同時這也是NEON 連續五年獲得這項最高榮譽。在我心中已經超越A24的地位。
他們很有意思，即便有這麼多成功推出的作品，本身知名度還是沒有 A24 高，團隊一直是小小的，口味一直很獨特。會讓我想到自己在選品的時候也一直依照自己的喜好不跟著流行走，即便市場小眾，但總還是要有人照顧具有這群獨特品味美學的消費者們吧。

簡介/

一個創造「靈光」的研究所，透過製作燈器與創作實驗的過程之中，與傳統鑲嵌玻璃工藝接軌，希冀作品傳達出「慢」、「惜」、「新」等現代日漸消逝的美好態度，透過主題展覽與合作方式推進鑲嵌玻璃工藝的各種可能性。作品榮獲2021日本富山國際藝術大展銀牌獎、Taiwan Design Best 100（2020、2024 ）、2018金玻獎銀賞，參與2023~2024臺中國家歌劇院駐館藝術家張博傑《Relight+日__夢＿遊》跨領域計劃。

Q一下 展上見/

1.Collectible Design（收藏型設計）是國外一股新的收藏潮流，如何看待自己的作品定位，是設計商業、藝術創作，或是其他？
我認為，所有的類別與形式，無非是為了承載我們想要傳遞的哲學思考，並成為與他人、與自己溝通的方式。 我關注歷史的脈絡，也追問這個時代中工藝的價值為何。以鑲嵌玻璃工藝為核心，我們向藝術與生活的兩端延展，向過去的技術與材料學習，並透過研究計畫，探索其在當代的新型態定位。在工藝製作的過程中，我們能真切地感受到雙手與材料之間的對話，那是真實的觸感，也是真實的自己。正是在這樣的互動中，我一步步學習如何成為「真實的人」。
「真真鑲嵌玻璃研究所」中的「研究所」三字，正是我們存在的核心。我們從燈器創作出發，進而拓展至跨領域合作與沈浸式劇場空間的實驗，嘗試為工藝重新定義其在現代的可能性。而這份「可能性」，正是我們不斷前進的動力。
但不論被大眾或者誰定義成哪一個象限，我們在創作上都更專注於從目標出發。強調可持續的材料和工藝，達成設計和藝術的融合。同時以我們的方式表達循環再造的理念，這種跨界創作在現代非常重要。

2.從你的經驗來看，你覺得在台灣發展市場的困境跟優勢會是什麼？國外是否更有發展空間？

我認為，每一個人降臨在這個世界，都是在學習感知自己的生活環境與生命經驗。我們可以與來自不同地方的人們交換價值觀，分享我們對世界的想像力，這正是創作的根本動力。 我不會用「市場」來思考品牌或創作的起點，而是從我們所身處的世界出發，去觀察、去發現那些讓人著迷的事物，然後誠實地與他人分享。我更在意的是，我們自身所處的困境與優勢——那是每個創作開端的真實土壤。

對我來說，台灣是一個具有彈性的實驗場域。在這裡，我們可以快速試驗新的可能性，同時也擁有慢速但踏實地發展設計與藝術的節奏。讓自己的創作成為唯一，讓這個無可取代的「唯一」被世界看見。那將是身為創作者最珍貴、也最有力量的優勢。

3.本屆大會主題為「Pairing配搭」，你的作品以玻璃為主軸，搭配金工呈現自己獨特的創作世界觀，嘗試橫跨多種媒材創作。未來是否有什麼計畫預計進行新的創作可與我們搶先分享？

鑲嵌玻璃工藝的起點，本質上就是在鑲嵌不同材質與玻璃之間的搭配與對話。我們從兩百多年前的傳統鑲嵌玻璃工藝中學習，並在2018年以全新形式的鑲嵌玻璃燈具作品作為起點，展開我們的創作旅程。

這些年來，我們持續跨越領域，與吹製玻璃藝術家、陶藝家、春池玻璃合作，也與聲音藝術、影像藝術、裝置藝術等領域產生連結，甚至參與臺中國家歌劇院駐館藝術家計畫《Relight+日__夢＿遊》。對我來說，這一切都是從創作與生活出發，一步步感受、實踐而來的。

面向未來，我們希望朝向更完整與有系統的方式，去建構分享與溝通的路徑。無論是對工藝的研究、對創作的發表，或是藝術與生活的兩端彼此延展與穿越。

4.國外有一些Design Gallery，或「Salone del Mobile Milano」、「Collectible」、「DESIGNART TOKYO」等展會能展售這些介在設計與藝術間的作品，對我們這個新興設計藝術平台「ΔDesignArt」有什麼期許？
我期許ΔDesignArt成為不可或缺的「唯一」。

5.給我們一個設計與藝術間的Hashtag
#jazz
對我來說，創作的狀態就像爵士樂。
每一位樂手都花了無數時間練習基本功，認識自己，才能在演出時真正放下預設，投入當下。譬如鋼琴緩緩進場，其他樂手自然感知並準備；大家在即興演奏中前進，沒有人知道這首曲子最後會長成什麼樣子，但每個人都在傾聽、回應、信任對方的選擇。
我認為，這樣的即興狀態，是創作最美的樣貌。它不是混亂，而是一種有節奏的流動；不是無計畫，而是建立在深刻理解與投入之上的自由。
在這樣的平衡裡，我找到我自己，也找到我與世界對話的方式，也祝正在閱讀這篇文字的你們，每一步創作都像爵士一樣自由又真實。

簡介/

來自台灣的數位藝術家，專注於漸層色彩藝術創作，透過色彩探索時間、空間與宇宙的無限可能。他的作品在有限與無限的色彩語境中建立獨特的透視法則，靜止的畫面隨觀者的感知經驗而流動，轉化為多維度的視覺與感官體驗。
他從天體結構與宇宙現象汲取靈感，並且擷取自然中的色彩——晨昏交替的天空、礦石的光澤、光線的折射——融合自然的鮮活與宇宙的神秘，營造沉浸式的感知空間。他的創作不僅侷限於數位媒材，更延伸至實體裝置藝術，在抽象與現實之間建立獨特的情感連結。透過展覽呈現，作品從超現實的二維視覺，拓展為如宇宙般遼闊的多維感知經驗，從個體感知引發集體共鳴。
Damonxart 的藝術探索色彩美學與感官認知的交界，挑戰靜態影像的邊界，使影像隨觀者的感知而流動。也曾與 Apple、Samsung、Adobe、Audemars Piguet 等國際品牌及現場展演合作，持續將其獨特的色彩語言與美學視野帶向更廣闊的舞台。

作品介紹/

浩瀚的宇宙施予無垠的律動，驟眼的閃爍引領平行的穿梭，萬物變化隱藏於動靜之間。這系列作品藉由金屬印刷的特殊轉譯，嘗試捕捉宇宙中那些難以被言語界定的光與流動。

在數位視覺呈現上，我以 RGB 色彩為核心，透過「藝術微噴後熱轉印」的技術，將其高飽和與亮度的色彩能量精準保留，轉印至特殊合金金屬表面。隨著光線的角度與觀者的位置，畫面呈現如同螢幕發光般的層層光澤與鮮明閃爍，彷彿一瞬即逝的宇宙光影。

這些作品不僅是色彩的實體化，更是時間與空間的象徵容器。在沒有邊界與物理時間的背景下，宇宙被重新觀看為一個容納差異、遞進與疊合的場域。正如詩人Louise Glück作品回答浩瀚無垠的宇宙之下埋藏的距離與情緒，在驚嘆於不可能的變化之下，人類該如何自身安命。

靜止的畫面，訴說著流動的宇宙；不再只是觀看，而是一場關於光、色彩與存在的共振經驗。

Q一下 展上見/

1.Collectible Design（收藏型設計）是國外一股新的收藏潮流，如何看待自己的作品定位，是設計商業、藝術創作，或是其他？
我自己本身也很喜歡收藏不同設計師的家具所以也很喜歡這樣的收藏模式, 我的金屬藝術作品，最初便是以「可被系列收藏」為出發點來設計。, 其中一組包含 10 幅「通道」主題的作品設定為掛在不同牆面時, 彷彿就像是兩個空間被串聯再一起的感覺.開啟了空間與空間之間的連結。每一幅都是一道視覺入口，讓靜止的牆面變成通往另一時空的通道。

2.從你的經驗來看，你覺得在台灣發展市場的困境跟優勢會是什麼？國外是否更有發展空間？
我從未加入過任何藝廊，作品的曝光與銷售主要都透過我個人的社群平台。現階段的收藏者多來自美國、英國、印度與中國，反而尚未出現台灣的買家。
我認為台灣的優勢在於地理位置，讓觀者有機會親自感受作品在實體空間中的光感與質地。然而，相較之下，新媒體藝術在台灣市場仍屬於較新的領域，大眾的接受度與收藏習慣還在發展中，也成為我目前面對的挑戰之一。

3.本屆大會主題為「Pairing配搭」，你的互動藝術作品有強烈的視覺風格，但同時你也做了很多如燈具、織品等家飾品。未來是否有什麼計畫預計進行新的創作可與我們搶先分享？
未來我最期待的是無限燈進入量產與公開販售的階段。希望能與不同領域的藝術家合作，讓他們在我設計的空白燈具模具上進行創作，最終成為每盞都獨一無二的聯名藝術燈。
同時，我也正著手製作一個全新的裝置作品，圍繞「星球」與「太陽照射」的關係展開，嘗試透過光線與物件的互動，延伸我對宇宙秩序與視覺感知的探索。

4.國外有一些Design Gallery，或「Salone del Mobile Milano」、「Collectible」、「DESIGNART TOKYO」等展會能展售這些介在設計與藝術間的作品，對我們這個新興設計藝術平台「ΔDesignArt」有什麼期許？
我覺得像 ΔDesignArt 這樣的平台很有潛力，因為它的定位剛好落在設計跟藝術之間,也就是最多方創意的地方。我會希望 ΔDesignArt 不只是個展售平台，而是能成為一個讓不同創作者交流、激發想法的空間，讓像我這樣在不同媒材、數位與實體之間遊走的人，也能被看見、被理解，甚至被收藏。

簡介/

產品、家具設計師，透過一系列的設計考察活動，對物件進行拆解與重構。專注於延展現有日常物件的潛力，同時深入產業製程並轉化傳統的製造工法。為物件的外型帶來了一抹既熟悉又新穎的質地，它們體現了理性的製造原則，又帶著詩意的表達。

2.從你的經驗來看，你覺得在台灣發展市場的困境跟優勢會是什麼？國外是否更有發展空間？
在創作過程中，通常需要同時扮演經營者、對外溝通者，以及資源整合者的多重角色。或許因為一直以來都以台灣為主要創作據點，相對熟悉這邊的生態讓我可以比較專注在自己的產出和節奏上。國際間主要的展會與藏家、策展人、媒體、品牌之間，已有較明確的連結和互動模式，這是我在台灣目前較少看到的部分。因此我也會定期參與其他國家的展覽吸收經驗與拓展人脈。

3.本屆大會主題為「Pairing配搭」，你從荷蘭學成歸台後開啟新的系列發表，在台灣頗獲好評，如今也在米蘭衛星展發表新系列，未來是否有什麼計畫預計進行新的創作可與我們搶先分享？
我很喜歡同一件作品能夠持續發展與深入。Railing 系列從2024年開始對外發表，最初是以椅子的產出為主，後來在朋丁展覽時，也延伸出了創作書籍以及對各種結構可能性的進一步研究。
再來的計畫會暫時不考慮量產時需要兼顧的條件，希望能盡可能回到更直接、我可以自己獨立完成的創作狀態，包括焊接、拋光等製作環節，確保每一個細節都是自己想法的延伸，可能是一系列比較大型的創作吧。

4.國外有一些Design Gallery，或「Salone del Mobile Milano」、「Collectible」、「DESIGNART TOKYO」等展會能展售這些介在設計與藝術間的作品，對我們這個新興設計藝術平台「ΔDesignArt」有什麼期許？
我一直覺得新的平台如果有清晰的策展方向，觀眾會更容易抓到作品的精神，也能在心裡留下對這個平台的印象。也會讓後續參與的創作者知道這裡是一個可以持續實驗、對話的地方。期待 ΔDesignArt 能在這樣的基礎上，慢慢形成屬於自己的能量。

春池玻璃｜W春池計畫
憑藉傳統的手工技藝和創新設計，春池玻璃開始了可持續發展的循環計畫。
台灣玻璃產業約有百餘年歷史，自1920年起，因開採天然氣與矽砂，使新竹地區成為玻璃工廠集中地，也帶動玻璃工業發展。而後新竹科學園區成立，大量的勞工需求轉移，使得玻璃產業受創嚴重，近90%工廠外移至中國及東南亞，也迫使春池玻璃開始極力思索轉型，包括：成立觀光工廠、輕質節能磚等材料開發，直至「W春池計畫」加入，再次推動傳統玻璃工藝跨越，進入下個里程碑。

「W春池計畫」從材料本身出發，闡揚文化傳承＋設計升級＋循環經濟＋環境永續的品牌核心價值，透過設計導入，使廢棄玻璃得以重生，並著重於價值創建的感受與過程、回饋於群眾。其核心在「破壞」與「創造」之間，賦予回收玻璃二次價值，讓更多人了解在地文化與其歷史軌跡。

Konel 創辦人 Q一下 展上見/

1.請介紹一下 Konel 設計團隊的核心理念。
我們以「Good Singularity（美好的奇點）」為概念，透過 speculative design（推測性設計）的方式，將未來有可能發生的事件轉化為具體的體驗，與社會展開對話。

2.如今在日本，結合大數據的設計與裝置作品日益增多。Konel 對新技術的運用也很積極。在你們看來，這些作品是設計還是藝術？‬
一般來說，藝術是提出問題，設計則是給出解方。但 Konel 所做的，是創造出可能存在於未來的「解答」，反過來向社會拋出新的「提問」，並以此為起點，不斷展開新的計畫。

3.你們於米蘭設計週與大阪萬國博覽會將有不少展出計劃，你們認為這些作品在全球是如何被看待的？科技導向的設計在歐美市場是否正成為趨勢？
科技的確擁有推動社會進步的力量，但若未經轉譯，就難以深入人心。我們認為，將科技與文化育成的脈絡相結合（例如米蘭設計週或大阪萬博），才能真正引發社會對未來的共感與討論。在米蘭現場也能感受到，大家對科技的期待值正逐年攀升。


4.在東京也有 DESIGNART TOKYO 等活動，像 Konel 這樣的創作者團隊是否越來越多了？您觀察到的市場趨勢是什麼？
確實，運用科技創作的設計與藝術團隊有增加的趨勢。但那些都是單一作品，能夠持續推動跨領域合作、並以計畫形式長期運作的團隊仍屬少數。

5.能否談談《BWTC》這件作品最初的靈感來源？
我們每天戴著 Apple Watch 上傳生理數據，換得便利與安全。而 Apple 也藉此開展龐大的數據商業模式。相比之下，我們自身卻未從數據中獲得實質報酬。於是我開始思考：「我 24 小時的心跳數據，到底能產出多少價值？」對於GAFAM（美國五大科技巨頭）所開啟的大數據商業遊戲背後隱藏的神秘黑盒子的疑問，促使我構想出一個透明交易個人數據的未來。無論是總統還是嬰兒，100 秒的腦波都能以同價購買，之後再以藝術品的形式為每份數據標價與展示。

觀看影片▶https://vimeo.com/894724679

5.在 3331 的展覽中，我看到你們實際販售了腦波 NFT 與印刷品。對我來說，這像是把藝術品工業化量產的實驗。你們是如何看待這個作品的定位？
腦波畫作的圖像是從思緒的偶然中誕生的，因此每一張都是獨一無二的。但整體色調卻又具有統一性——這是一種嶄新的抽象畫創作方法。

6.接下來 Konel 有哪些計畫或發展方向可以和我們分享？
我們會持續以全球性議題或在地文化為主題展開各種合作計畫。未來也將積極拓展海外展演，特別是亞洲區域，期待能與更多展覽單位與藝廊建立聯繫。

7.給我們一個設計與藝術間的Hashtag
#Desire‬

AAAQ

簡介/
由產品設計師／製作人 都淳朗所創立的創意工作室。於完成千葉大學大學院課程後，於2021年正式成立，並以東京為據點展開活動。AAAQ秉持著「不斷創造『解答』，進而激發出全新的『提問』」這樣的哲學，在感性與研究的交會下，持續進行創作實踐。

ラヤマパック（Rayama Pack）

簡介/
A collaborative platform for art, books and pop-up events.…and a coffee bar.
一個透過編輯概念、與各路人馬合作，出產各式形體與物件的計畫空間

參展者介紹
陳向榮 簡介/

陶藝創作者，現居住及工作於台北。於 2014 年開啟陶藝學習與創作之路，雖然非科班出身，仍設法透過自學及向前輩、同儕請益等有機的路徑，持續探索陶藝的可能性。作品曾 於台灣及海外，如:日本、德國、法國等地展出，並曾獲選至荷蘭歐洲陶藝中心 (2021) 及澳洲 Fremantle Arts Centre (2018) 進行駐村交流活動。

陳向榮的創作經常從日常生活中擷取靈感，透過觀察、放大，將主題與意念純化，解構成幾何造型與明亮的色彩，轉化成既熟悉又陌生的樣態，回應人們所擁有的共同生活經驗及其衍生出的文化。雖然日常文化有其地域性，但歡迎觀者自由地解讀作品，從自己的生活經驗中去理解和想像作品，以另一種角度回望自身的文化。近期創作則聚焦於「手工」與「工業化」之間的關係，藉由工作流程的調度、手感痕跡的抹除，追求類似工業製品的工整與完美，探索兩者之間的交集及互斥之處。同時，刻意模糊藝術與功能性之間的界線，中斷人們習以為常的線性思考，重新看待自身與物件的關係，反映後現代設計思維。

〈滾動的日子〉是從磁磚計畫中延伸出來的傢俱作品。磁磚計畫將台灣居家空間中常見的白色磁磚重新疊上釉彩，再次燒融。嘗試在規格化的工業陶瓷製品上創造獨一無二的圖樣。噴釉造成的漸層效果和彩釉堆疊形成的色彩變化，突然想多噴幾層、手拿噴槍的角度歪斜了幾公分等都被細膩紀錄在一方磁磚上，頗能捕捉創作當下不斷流動的靈感、思緒、徬徨和猶豫。而條紋系列，則以類似孔版印刷方式將不同顏色的彩釉分批堆疊至磁磚上，且每上一種顏色，就需燒融以固色，如此不斷重複上釉燒製；而不同顏色的堆疊也因手工的誤差，產生偏移、疊色效果。整體過程費工費時，頗不符合工業化所追求的效率和完美。將本應在牆上固定不動的磁磚放置於可移動的木箱上，視使用者的需求變換功能，任其於空間中自由穿梭移動，鬆動了磁磚固有的形象，也為生活空間增添一些詩意和想像。 幾何造型、功能曖昧不明的容器或雕塑，則在探討物與使用者之間的關係。鮮豔飽和的平塗彩釉或工整的條紋圖案，追求類似工業製品的質感，反映當代人類使用大量生產、規格化製品的生活樣態。在不斷追求完美卻永遠到達不了的過程中，人性自然地顯露在作品各種細節（難以避免的瑕疵）中，昭然若揭。

ZI.YONE 簡介/
ZI.YONE是一間以陶作商品及插畫創作為主的工作室，由梁若茜創立於2020年冬天，ZI.YONE的發想來自於臺語發音「日用」（jit-iōng），提供簡約兼具現代設計感的商品，期望使用並不同元素，為日常生活增添一點享受。

Ougen 是 ZI YONE 所嘗試設計第一個規模化生產的傢俱，像樂高積木一樣可以組合的燈具，燈件從圓筒狀出發，發展成圓盤、柱狀、喇叭狀，每個組件都可以自由選擇，透過分解與重組的過程，串連各式意志的變化與流動，成為獨一無二的客製燈具。發想源自於宇宙源頭。 每一個組件上的紋路，都是 ZI YONE 為其所混製的特殊釉藥，有些有著裂紋，也有些存在著發泡，對於食器而言是瑕疵的釉藥，卻創造了創造了像陶瓷又不像陶瓷的質感，回應著靈感源頭，宛若由不同成分組成的星球的碎片。

朋丁主理人 Q一下 展上見/

朋丁展覽，α ᑕOᖇɴEᖇ ᗯιтн ᒪιɢнт αɴᗪ ѕнαᗪOᗯ 佇立在家中的溫馨光影燈塔 /ZI.YONE
 
1.Collectible Design（收藏型設計）是國外一股新的收藏潮流，朋丁pon ding作爲台灣首屈一指的藝術書店，經常在畫廊舉辦展覽，內容廣泛，據觀察很多都是設計師的創作型展覽，如何看待這股世界新興趨勢？

我們注意到這幾年設計已脫離日常功能性的討論，而進入一種更開放的創作狀態，這跟藝術語彙的滲透、材料技術的進步、以及觀眾對生活物件的期待改變都有關。很多設計師的創作開始帶有實驗性或敘事性，也早已不再是「為了使用而設計」，而是回到材料、形式、製程、工藝甚至時間性的探索。

朋丁過去在空間中策劃的展覽其實一直關注這樣的界線模糊狀態：藝術家開始做物件、設計師思考裝置，收藏與生活之間不再是二元的。在這樣的脈絡下，Collectible Design 比較像是一種「觀看與參與的方式」，而不只是作品類型的分類。

滾動的日子 /陳向榮

2.從朋丁經營的經驗來看，你覺得在台灣發展設計藝術市場的困境跟優勢會是什麼？以創作者角度來說，國外是否更有發展空間？
比較大的困境在於基礎環境正在發展進行中：包含對設計藝術與生活之間的關係、收藏偏好、空間與媒介的支持結構等等。相較歐洲的設計藝廊制度、或日本將「設計」視為美學文化延伸的一致性，台灣的發展比較跳躍，市場與環境的支持常常沒有特定的脈絡可依循。
但這也同時是優勢，創作者還有比較大的自主空間，不必那麼快回應市場、或者固定美學傾向，也更能夠跨出所謂的界線，在網路環境中找到同盟。朋丁的經驗是，只要策展有清楚的語境，觀眾的接受度也充滿潛力，反而是在流通與系統建立上，需要更多連結與店家/策展本身的專業累積。

3.本屆大會主題為「Pairing配搭」，朋丁以策展形式邀請陳向榮與O lab craft studio兩組陶瓷創作者展出，在邀請創作者於朋丁展覽時，你們最在乎的策展重心與呈現觀點會是什麼？請與我們分享。

我們邀請 O lab craft studio與陳向榮，兩組雖都以陶為媒材的創作者，但創作脈絡差異很大——一位偏向情境裝置與敘事形式的發展，一位則是對材料語言與工藝機能的延伸。我們不是要做一個簡單的風格並置，而是希望透過這兩種觀看陶的方式，來回應「配搭」這個主題。
對朋丁來說，策展時最在乎的是創作者在此脈絡中被看見的方式——我們希望作品不是被展示，而是與空間、觀者或文本對話。我們常常花很多時間處理比例、光線、動線這些細節，也會與創作者討論文字該怎麼寫，因為這些都會構成最後觀者進入作品的方式或情境。

5.給我們一個設計與藝術間的Hashtag
#物的提問（The object as a question）
我們一直對物件在這個時代中所扮演的角色感到好奇。它們不只是承載功能，而是提出問題——關於材料的記憶、關於人的感知、關於使用與觀看之間的開展性。我們期待這樣的物件，不只是被理解為「物」，而是成為一種提問方式。

黃郁媚 Yu-Mei Huang ft. Erco Lai
簡介/

黃郁媚出生於台北現居倫敦，為一名針織創作者。
她的作品專注於突破織品媒材框架，探討身體與空間關係，以及不同文化之流動。《Knitting Industry Creative》曾形容她的作品為「大膽且前衛的雕塑」，透過將針織技藝結合實驗性材料，運用色彩搭配不同技法的方式，重塑當代針織工藝。擅於應用不同針織型態的他，曾獲邀與 Salvatore Ferragamo、Michael Kors、Maison Louis Maire 等品牌，以及歌手林宥嘉等進行跨界合作。

畢業於皇家藝術學院後，她的作品曾被刊登在《British Vogue》、《Vogue Italia》、《Knitting Industries Creative》、《Embroidery》、《NYLON JAPAN》、《WGSN》等出版物。她的創作商品「Plisse Knit Bag」推出後也喜獲好評，並於倫敦、日本、香港、台灣以及線上平台FARFETCH等通路販售。她的作品曾參與倫敦工藝週、倫敦時裝週、Craft Show Spring（倫敦）、Cork Street Gallery（倫敦）、伊日畫廊（台灣）和182 Art Space（台灣）、當代纖維藝術Gina Morandini Gallery（義大利）、ss space space （台灣）、紡織博物館（荷蘭）、xtant（西班牙）和威尼斯建築雙年展（義大利）等展出。

ft.參展者介紹-賴亭安 Erco Lai/

賴亭安(Erco Lai)作為一名設計師，在後工業時代中試圖去探索材料、科技與藝術之間的共價融合，他的設計方向總是在通過不斷實驗與動手操作與聆聽材料的特性中，創造出最”自然“的形狀。這不僅是在追求設計的可控性與材料製程中自然隨機性的平衡，同時也是在尋求給材料賦予有意義的形式，並塑造出獨特的審美語言。在荷蘭海牙皇家藝術學院求學期間，他對循環材料展現了濃厚的興趣。他希望通過觀察和模仿自然界的循環系統，重新定義人類當前的製造系統，最終建立新的生產工法，並實現與自然界的共生循環關係。

Yu-Mei Huang 作品《resonance》

Erco Lai 作品《Rift峽谷屏風》

Yu-Mei Huang Q一下 展上見/

1.Collectible Design（收藏型設計）是國外一股新的收藏潮流，如何看待自己的作品定位，是設計商業、藝術創作，或是其他？
我本身是針織設計背景出身，在英國就學的期間花了很多時間進行自我探索，也慢慢發現自己真正享受的是「一根紗線轉換成布料」的過程，成品的形式可以是一件雕塑、一場表演，或是一個服裝系列。 目前我不會特別幫自己的創作貼上「商業」或「藝術」的標籤，因為我覺得這兩者的界線越來越模糊了。我在自我介紹時通常都會用「knitter」這個詞，這個詞對我來說比起「藝術家」或「設計師」更貼近我現在正在做的事。

Yu-Mei Huang 作品《resonance》

2.從你的經驗來看，你覺得在台灣發展市場的困境跟優勢會是什麼？國外是否更有發展空間？
我覺得台灣有它自己的市場，也有它的節奏。台灣曾是重要的紡織生產國，這個產業背景讓我們在技術和製造能量上其實非常強大。但在織品作為收藏品或是創作上這一塊，市場的接受度可能還需要一點時間去培養。 國外的市場相對來說比較大，也比較習慣支持介於藝術與設計之間的創作，不過競爭也很激烈。我不會特別說哪邊比較好，而是覺得在不同的創作階段會有不同的選擇和策略。

簡介/

賴亭安(Erco Lai)作為一名設計師，在後工業時代中試圖去探索材料、科技與藝術之間的共價融合，他的設計方向總是在通過不斷實驗與動手操作與聆聽材料的特性中，創造出最”自然“的形狀。這不僅是在追求設計的可控性與材料製程中自然隨機性的平衡，同時也是在尋求給材料賦予有意義的形式，並塑造出獨特的審美語言。在荷蘭海牙皇家藝術學院求學期間，他對循環材料展現了濃厚的興趣。他希望通過觀察和模仿自然界的循環系統，重新定義人類當前的製造系統，最終建立新的生產工法，並實現與自然界的共生循環關係。

《Ｗaterfall 流水架》設計靈感來自於水流的形態，同時融入了多寶格的元素，展現了東方美學與西方材料理性的完美融合。流水架採用了優質的鋁板製作而成，造就其流暢的造型和強大的結構系統。這款現代化的家具作品為當代居住空間帶來了風格和功能性，成為一款獨特且實用的裝飾品。

展前 Q&A/
1.Collectible Design（收藏型設計）是國外一股新的收藏潮流，如何看待自己的作品定位，是設計商業、藝術創作，或是其他？

我的觀察是Collectible Design也並非如此橫空出世的概念，早在 Philippe Starck 等明星設計師的時代，某些設計作品便已具備收藏價值與文化意義，甚至成為時代品味的象徵。只不過近年的風向轉為偏實驗性。呈現出一種模糊藝術與設計邊界、關注觀念與故事性的態度。

在我探索自身設計定位的過程中，荷蘭皇家藝術學院的學習經歷扮演了關鍵角色。儘管我的科系依舊名為Master Industrial design，但我們的整體方向更貼近於為各種產業提供服務或設計研究的角度，不限於台灣傳統熟悉的服務工業生產的工業設計。這反而促使我去思考什麼是工業設計，我在其中又可以扮演什麼角色？我嘗試將工業設計分解，其中的製程與材料才是我感興趣的。所以我從材質的研究出發，並試著找出新的製造事物的方式，其中汲取了很多自然創造事物的邏輯，也試著定義自己在做的事情是「後工業時代的工業設計」（Post-Industrial Design）。

熟悉的產品與商品設計往往建立在成熟的製造模式之上，強調的是效率與規模。然而，工藝品則是相對小規模、強調手感跟文化深度。而我的創作則試圖在兩者之間尋找一條新的路徑——透過設計的框架、以材質研究為起點，探索創新的製造方式。這樣的實踐不僅回應了當前更趨向實驗性的「Collectible Design」趨勢，同時也開創了一種介於設計與藝術之間、具備概念性、實驗性與潛在收藏價值的創作形式，也試著為未來的製造與設計提供不同的想像。

《Rifft 峽谷屏風》峽谷屏風是一件以極簡鋁製框架構築的空間裝置，透過借景手法引導觀者與環境產生連結。作品以鋁板夾持在地拾得的石塊，在堅固結構與瞬逝自然之間展現微妙張力，鋁板在擠壓下產生形變，賦予工業材料一種有機感。每塊石頭如同地景的縮影，保留自然肌理與時間的痕跡。設計靈感部分來自水溝蓋中卡石塊的日常畫面，意外呈現人造與自然融合的詩意。

2.從你的經驗來看，你覺得在台灣發展市場的困境跟優勢會是什麼？國外是否更有發展空間？

從我的經驗來說，歐洲的市場更成熟健全，對於藝術與設計的接受度更大，從各種大大小小的美術館、博物館，到各種展覽空間曝光的機會相當多。另外就是歐洲國家之間的交流非常自然融洽，好比我目前定居在荷蘭，但往來的廠商或買家都來自各地，德國、法國、義大利、西班牙等等。不過相對的競爭也頗激烈，尤其鹿特丹這裡，來自國際的有才華的創作者們都會想在這闖盪，要如何利用自身文化差異與獨特性被看見其實備受考驗。我的感覺是充滿這種良性的競爭其實也不是壞事，總是可以在各種展會大開眼界，不過很需要健康的心態。總體來說可能由於市場更大更成熟的關係，這使得像我這樣的個人工作室，即便無法成為一線的明星設計師耀眼，但求個溫飽還是有機會的。所以我的觀察與其執著在追尋市場想要的創作，倒不如尋求自己內心真正感動的方向，找到適合自己也許小眾但適合的利基市場好好耕耘，並深化創作走出自己的路是我在歐洲比較常看到的策略。

我覺得台灣的優勢跟困境剛好都是創作環境。一方面有著各種靈活的加工資源，是很好的研發創作基地，另一方面生活成本低，可以試錯的心態就可以比較能夠邊做邊看邊調整。但少了種背水一戰的感受有時候也會阻礙了前進的動力。由於我先前在台灣的經驗比較多是協助工廠產品開發和創建品牌，這個部分有時候又會太著急，要一發入魂地打造出驚人暢銷單品。而設計的好壞往往跟銷量綁定。另外在台灣藝術與設計又太常壁壘分明，藝術化的設計品或設計感的藝術品這樣的衍生物好像都佔不到哪一方的便宜，既討好不了頂層的投資市場又無法普及到家家戶戶，這反而是我經常在思考的兩難困境，近期我是想找到台灣適合的語彙，設計出有藝術感的收藏品。總體來說我也會建議保持跟我在歐洲觀察的策略一樣，也許小眾但適合自己的市場，可能不在台灣，但網路時代的現在更有機會這樣操作，各種國際化的藝術品數位銷售平台，我也還在學習當中。

《Edge 邊鏡》以鏡面不鏽鋼精製而成，不規則的造型彷彿在空間角落引入一道流動的反射曲面，旨在打破空間中光線過於精準單調的反射方式。當背後光源照射時，鏡面不僅映照空間，更以不規則的節奏重新編排光線，為日常生活注入一絲詩意與不確定的溫度，引導觀者重新感知光與空間的細微變化。

3.本屆大會主題為「Pairing配搭」，你從荷蘭學成歸台後開啟新的系列發表，在台灣頗獲好評，也曾在米蘭發表過新系列作品，未來是否有什麼計畫預計進行新的創作可與我們搶先分享？

最近很感興趣的是想切入風水小物這塊市場，其實是從我的人造石計畫開始。先前在歐洲小尺寸的雕塑算是相對熱門的品項，所以當回來台灣的時候，就在思考如果純粹的擺飾物件在台灣的室內比較少見的話，人造石還有什麼機會？便是賦予了風水意義的紫水晶跟鹽燈。因此便開啟新一輪的材料實驗，希望能繼續在地化的材料策略與提供新的適合當代室內風水小物選擇。然後從這個視角展開，就發現其實從材質面出發結合風水這層文化意義還有很多可以開展，所以這算是近期持續有在實驗的小計畫。

另外，如同這次展出的物件，今年會更著重在金屬物件的開發，尤其是鋁，其易回收性與相對低的熔點是近期很吸引我的點。一方面探索板金的可能性與美感，嘗試做出能融入一般室內空間的小尺寸家具家飾。這部份其實是接續了我去荷蘭之前的一個與工廠合作的產品開發案，當時強調著量產性與商品化，現在則會想在生產與創作中找到平衡。另一方面則是鋁材的翻砂鑄造，這個方向其實依舊從人造石技法出發的，很有趣的，意外發現目前這個人造石捏製技法其實很適合當作鑄造用的砂模，或著說其實一直都知道這可能性，剛好這次在台灣有機會能實踐覺得開啟了新世界。

4.國外有一些Design Gallery，或「Salone del Mobile Milano」、「Collectible」、「DESIGNART TOKYO」等展會能展售這些介在設計與藝術間的作品，對我們這個新興設計藝術平台「ΔDesignArt」有什麼期許？

內心默默期許的是「ΔDesignArt」除了能在台灣藝術與設計注入一絲活水外，也能成為某種集合(collective) 帶著台灣的創作者們一起走進「Salone del Mobile Milano」、「Collectible」、「DESIGNART TOKYO」的展會裡，可以持續的在這類展會曝光，是我小小的希望。除了能讓旅居各處的台灣創作者集結一處，也能帶著台灣本地優質創作者一起試試國際市場。這是我這幾年在國際展會看到的缺口。這樣某些程度也許能幫助並鼓勵到台灣的創作者找到信心或創作方向，使其不限定僅滿足台灣的市場。或著換個角度「ΔDesignArt」能提供台灣創作者一些專業的從市場端的觀察也很好。另外若能作為在國際展會展現一個能夠代表台灣設計藝術能量的平台，對於像我這樣駐留在國外的個人工作室有一定的加分外，也能填補目前在國際展會中台灣設計能量相對分散的現狀。

除了展望國際，當然希望「ΔDesignArt」在台灣能打破或模糊藝術與設計的界線分野，讓所謂的藝術收藏品不再顯得高不可攀或遙不可及，也能對所謂設計商品有新的想像，並開啟一個嶄新的設計收藏品藝術市場，讓藝術投資門檻更低，選項變有趣多元。我的想像是：未來在台灣的二手店，有越來越多除了各種可愛的IP的有的沒的外，也能看見更多各種設計收藏品或設計工藝品。或著說，如果能在台灣的二手商店看見我曾經的設計收藏品在架上，或是陳列在福和橋下的攤販也算功德圓滿了。從長遠來看，設計作品若能在二手市場流通，或可視為其融入社會生活及具備一定生命力的指標。就現在的我確實覺得台灣需要多一點有趣的事情發生，所以希望「ΔDesignArt」能持續下去。

5.給我們一個設計與藝術間的Hashtag

#Cabinet of curiosities

#Vernacular

#Cabinet of Curiosities 這種早期博物館的原形概念，一直讓我著迷。它是一種由好奇心驅動的收藏行為，也是一種建構知識與觀看世界的方式。現在我們每個人都能以數位或實體的形式打造自己的靈感寶庫，裡面可能是具普世價值的參照，也可能只是個人微小的好奇心所留下的痕跡。對我來說，創作就像是在延續這種蒐集與凝視的過程。我常常思考：或許我們創作的本質，不是去製造什麼全新的東西，而是反覆試圖重現那一刻——對造物、材料、結構或概念產生好奇時，那種難以言喻的感動。而 #Vernacular 則是我鼓勵用來收藏與觀看的方法，透過重新拾回方言式的論述與感知，是一種回到自身感知與經驗的方式。它代表的是從個人或在地出發、而非迎合主流審美與標準化價值的創作態度，逐步找出獨特性，並建構出屬於自己的設計語彙。

地衣荒物Earthing Way

簡介/

創立於大稻埕的複合選物店與藝廊，展售台灣的工藝家作品與古物，也開發氣味與服飾相關的產品，同時舉辦展覽、劇場演出及體驗類型的工作坊。我們希望借鑑古老智慧並體現於當代工藝，打造一種人與自然合作的生活方式。

謝欣翰 Bio Xie

地衣荒物主理人，平時作為品牌設計師、陳設師、策展人、顧問及視覺表演藝術家，活躍於生活風格、工藝設計、選品策展及表演藝術領域。喜愛旅行與收藏，探索生活中的不同可能，試圖透過傳統轉譯，將古老智慧體現於當代工藝，推動人類與自然文明的合作。

策展主題
雜像芥子園-台韓陶藝的中華轉譯

創作者：白花花byhuahua (Taiwan)、金昇勇Kim Seung yong (Korea)
策展人：地衣荒物Earthing Way / 謝欣翰
展述：
放眼東亞的歷史發展，以中華作為主體的漢文化對日本、朝鮮和東南亞帶來深遠影響，形成漢字文化圈。時至今日，包含台灣在內的東亞國家，都各姿其態的將所謂中華元素演繹成各自定義的模樣，本次計劃將以中華文化的轉譯為題，邀請來自韓國與台灣的創作者，以陶瓷為媒材，展示不同國家啟發自傳統文化的碰撞與火花。

作品與創作者介紹

金昇勇Kim Seung yong (Korea)

簡介/
歷史建築的脊獸轉譯

韓國人，以歷史悠久的陶藝製作技術為基礎，運用各種技術創作作品。使用獨家研發的陶土配方，結合傳統文化進行創作。期能透過作品講述一個小小的、安靜的、悠閒且快樂的故事。

本次展出系列「잡상」譯：「雜像」，也稱作「仙人走獸」。是來自中國、朝鮮半島、越南東亞宮殿建築廡殿頂的垂脊上，歇山頂的戧脊上前端的瓦質或琉璃的脊獸。分仙人和走獸兩部分，其數量和宮殿的等級相關，最高為1+10個，每一個獸都有自己的名字和作用，在歷史上最早出現於漢朝的明器上。金昇勇將其中的仙人走獸拆解重組，以雕塑結合器物的製作方式，創作出一系列的雜像茶具。曾於美食料理節目《黑白大廚》製作廚師參賽食器

白花花byhuahua (Taiwan)

簡介/
古畫新作的手繪陶器
來自大自然和內心的形象，花花二字的重複，如同自然界的定律，花開花落，象徵一個完整的生命樣貌，如此平時的存在著。除了字面上的意思，還有讀起來的節奏感，花花最後一個 「 花 」 字的字音是上仰的空音，訴說著生命面對自己純粹的綻放與盛開，直到最終的消逝，那蒸發後的雲煙化作渺渺的空音還存在著。

本次展出作品系列「遊歷山水的樂趣」，啟發自古老畫譜《芥子園畫譜》，山石松雪間，小人物或坐或臥，搖扇仰望月與鶴。細膩的手繪筆觸與線條，悠悠散落在器物上，寧靜卻充滿想像，宛如置身虛實交融的幻境，神遊於天地之間。白花花常在繪畫時思考人與自然的關係，她曾分享妙法蓮華經中的一段文字「一心一處坐」，如何將心境顯化成至微細的一處，在一橫一豎裡體會偶爾出現的合一，是她練習靜心的一種方式。

《芥子園畫譜》是清朝康熙年間的一部著名畫譜，詳細介紹了中國畫中山水畫、梅蘭竹菊畫以及花鳥蟲草繪畫的各種技法，其名由來為李漁在南京的別墅『芥子園』。

Q一下 展上見/

1.Collectible Design（收藏型設計）是國外一股新的收藏潮流，地衣荒物Earthing Way 作為台灣推廣當代工藝首屈一指的選物店，如何看待這股世界新興趨勢？

非常樂見，但希望在日益普及的創作市場中，能有更多對於當代工藝創作的原創性探討，除了傳統工藝的價值以外，何謂當代的文化認同思考我認為很重要。當代工藝並不只是單純傳承技術就夠，而是如何融入當今生活的經驗並進行設計，並同時將傳統文化結合當代審美，轉譯成一種新的原創作品。文化認同是一種自我再定義，需要自己決定怎麼觀看文化、文化怎麼運用到作品上、作品怎麼跟人對話，這樣的認同本身才能擁有不被取代的堅定脈絡。

金昇勇作品

2.從地衣荒物Earthing Way經營的經驗來看，你覺得在台灣發展當代工藝市場的困境跟優勢會是什麼？以創作者角度來說，國外是否更有發展空間？
 
因為台灣的工藝市場尚未成熟，作品也過度分也成藝品跟商品，近年更有所謂的手工藝、手作還有文創商品，造成已經混亂的大眾審美更加眼花撩亂，這是其中一個困境：尚未有一個基於文化底蘊進行審美的文化素養環境。但目前當然有很好的藏家、藝廊及選物店經營者是很有品味的，所以整體而言我還是滿樂觀的，會越來越好只是需要時間。
 
至於優勢的話，台灣的多元文化還有包容的社會氛圍對各種創作者的類型是滿友善的，只要不要餓死這些人還是能夠拼很久，這點算是跟其他國際大城市比起來是友善非常多的，另外就是我們在工藝創作的材料使用上，其實有非常多的選擇，台灣真的是一塊寶島，光是本來就有的天然纖維還有一些做永續材料研發的都很認真，當然以創作者來說有條件的直接出國是有一定的機會，但如果台灣未來要走出自己的路，真的還是需要有人來好好發展台灣的材料，並且做成作品帶出國，串連起產業的供需，我們才能走得長久，不然很多材料開發出來不設計生產也就是材料而已，與其等外國人來開發我們的材料，真的是我們自己來比較對勁吧拜偷幾雷。

白花花作品

3.本屆大會主題為「Paring配搭」，地衣荒物Earthing Way以策展形式進行店內活動企劃的方式讓人耳目一新，這次也將這樣的形式帶進本屆大會，是否可與我們分享為何會以這樣的形式進行？最在乎的策展重心與呈現觀點又會是什麼？

大家在買東西的時候從以前的關注性價比，到現在開始會注意到創作者還有品牌，接下來我認為關於平台(選物店/藝廊/策展人)的挑選也會越來越重要，畢竟現在資訊太多選擇爆炸，如何篩選跟過濾還有串連起有意義資訊的價值將會越來越高，而這並不僅只是數據分析或是隨便拼湊一加一等於二的，而是透過一種帶有議題性或對某件事物獨特的共鳴，打造人與人之間情感連結的展演現場，是一種活生生並且難以取代的真實體驗，能夠觸發思考、討論並進一步達成深度交流，而除了收藏或是交易本身以外，最令人感到興奮的就是那種創作者、藏家、策展人都能夠為一件作品感動並跟各自生命經驗連結的瞬間，這是我之所以從事這份工作的重要原因。

金昇勇作品

4.國外有一些Design Gallery，或「Salone del Mobile Milano」、「Collectible」、「DESIGNART TOKYO」等展會能展售這些介在設計與藝術間的作品，對我們這個新興設計藝術平台「ΔDesignArt」有什麼期許？

直接出國辦了啊

白花花作品

5.給我們一個設計與藝術間的Hashtag

#文化轉譯

#當代工藝

#新舊之間

#族群融合

T H Z Gallery陶華灼藝廊

簡介/

我們不僅經營藝術品收藏，更經營一種生活態度。

「陶冶樸質之心，華美創藝人生、灼見喜悅真心」，是陶華灼藝廊創立的宗旨。負責人張美椒身為鶯歌在地人，經歷鶯歌陶瓷風華的迭起、從無到有的創造歷程，點滴深烙心頭；這是一個由窯火溫度、人情溫暖所建立的文化創意之都。為了推廣與發現更多有溫度的藝術創意，1998年以鶯歌為基地，成立第一家陶華灼藝廊後，又陸續於2000、2001、2005年成立美學館、美術小館、展覽館等，提供更多元的服務。

陶華灼初期以推廣陶藝創作為主軸，「生命、生活、陶」為主要訴求，展開以生活與藝術相結合的舞台，強調作品的人文精神相應於個人生活的態度與格調，實現人文藝術與心靈感動結合的願景。近年來陸續加入雕塑、繪畫、複合媒材等，以更多元、更宏觀的立場推薦才情充沛、潛力無窮的藝術家，並嚴選高度精緻及極具收藏價值的藝術作品與設計物件，涵納更多的美學元素，也提供更多優選的藝術收藏標的。

秉持著創立的宗旨，陶華灼努力且誠懇地散播著臺灣社會中對人的溫暖與關懷。是堅持推薦具獨立思考能力、原創性，且具專業創作態度及技術的藝術家，以呈現與藝術家良好互動及理念契合下的優秀作品，期待透過美好作品的收藏，與藏家開啟具文化深度與豐富度的創藝共鳴。

二十餘年來，陶華灼所想要推廣與傳達的是屬於臺灣、屬於當下生活的文化史觀，那正是以素樸的真心所開創的華美心境，是足以豐富心靈、富饒生活的新文化饗宴。

參展者介紹
章格銘

簡介/

陶瓷媒材在至今仍大多歸類於工藝與技術範疇，在我的認知裡，我尊重材料、了解材料，陶瓷代表的是一種創作媒材，當陶瓷結合釉藥、燒窯等技術性的基本陳設，一切完備成熟時，我順應材料本性，在心理層面上丟掉原有製陶技術，抽離過多的刻板印象，用身體的本能反應接應，作為精神思想與物質材料的介面。在進程中來回遊走兩端以達到物我合一的狀態。

「作陶」，實在不是一份大家想像中那樣浪漫的行業，我在投身這份工作數年後越是如此認為。在一連串的過程中，它要求的是精確，常常只要一個小步驟有點閃失，便前功盡棄。也就是這樣，「耗神，耗力，耗時間」便是這工作的寫照。而那股背後支撐的力量就是那份期待，但諷刺的是往往結果不如預期。話說回來，我認為失敗對作陶來說並不是件壞事，至少又証明了某條路是不可行的，一但失敗累積到一定程度時，成功便不遠了。因為與生俱來對設計的愛好，無形之中，深深的影響了我作陶的角度。又因為被生活週遭各種不同個性的材質（木、石、金屬、布、紙、玻璃……）所吸引，慢慢的，「陶」對我來說變成只是一種材料，而不是全部。

現今我的作品遊走在多媒材雕塑、工藝以及產品設計等多元的領域，空間變大，挑戰變大，趣味當然也是。

作品/

〈迷工造物〉是陶藝家章格銘於2007年設立的夢工場。色澤優美的青磁，古典的冰裂紋開片，如抽象畫與寫意墨點一般的鐵斑紋，以及經典的陶瓷、金屬、木料的異材質結合，成就了新與舊合一、精準與鬆緩合一的完美茶器，同時也成就了迷工造物大膽創新的獨特風格：近十年來，章格銘幾乎成為異材質茶器的代表人物。他將傳統工藝與喝茶文化轉化為新時代的風尚，他所創作的器物與傢俱，已經成為著名茶人、收藏家與藝術家茶案上的絕美風景。

崔浩俊 Ho Jun CHOI 

簡介/

我的孩子們喜歡的玩偶是小熊玩偶和兔子玩偶，孩子們喜愛的玩具會投影給我。與孩子互動時看到他清澈的微笑，調皮的表情，有時哽咽的樣子，在腦海中剪貼着孩子們日常生活中平凡的樣子，坐在工作台上將這些印象一個接一個地拿出剪輯好,投影在孩子喜歡的玩偶上去完成作品，這是我創作的泉源。擬人化的小熊與兔子陶塑 ，表情帶點可愛又叛逆， 赤子之心的創作彷彿佛教所說的平常心，述說一個孩子在非常天真的時候，是沒有任何分別心的，面對這個世 界的時候，是非常純樸潔淨的，這種天真不是一種無知，他反而是一種直觀的智慧，沒有一絲思考和概念的痕跡，所以可以無欲活得非常快樂。

伊藤剛俊 Taketoshi ITO

簡介/

獨特的造型、細緻的花紋搭配著簡潔的輪廓，看似鑄造品，實則是一件件經由伊藤剛俊手工拉坯、雕刻、上釉，細細燒製而成的陶瓷作品。注重作品的輪廓，必須達到光看形狀就知道是自己的作品，那種程度的輪廓，細緻的雕琢方式下所蘊含的創作態度。

19年前開始接觸陶藝，20歲時選擇放棄大學學業走向陶藝這條路，但其實真正下定決心將陶藝作為人生志業的時間點，是在2011年311大地震。

每天的開始，會訂定一日的工作流程，例如塑形10件、將前一日已塑好形體，進行修整的部分10件、修整好後做最後加工處理，大致以雕刻、堆花及透雕等步驟10件，這些就是我每天的工作內容。我會依照每次展覽的場地、陳列方式來決定創作的作品和尺寸大小。

每當到了不同地方，不經意映入眼簾的美麗景色、路上建築物、家具陳設，或是縈繞在耳邊的聲音，都能成為我創作的靈感來由，我想把我所見到和所聽到的都表現在我的創作中，因此會有所創新而不斷的產生變化，當然，也有不變的個人堅持與熱忱。

現在的我正朝著心中所描繪的理想與目標前進，當快要靠近標的時，理想又在更遠的地方化成新的樣貌，那是一種永遠無法縮短的距離，也是讓我持續不斷追尋的動力，從中努力成長，我想好好珍惜這份能從事一生的事物-我的陶藝創作。

崔浩俊作品

Q一下 展上見 / 陶華灼主理人專訪

1.Collectible Design（收藏型設計）是國外一股新的收藏潮流，陶華灼本身除了代理Fine Art藝術家作品之外，對於精湛工藝家製作的日常器具也代理販售，作為台灣推廣當代藝術與工藝的畫廊，你們怎麼看待這股新興趨勢？又，你們挑選代理的標準是什麼？

因負責人張美椒為鶯歌本地人，從小就接觸陶瓷產業的薰陶下，陶華灼於1998年創立於鶯歌，初期以推廣陶藝創作為主軸，「讓故事得以共鳴的地方」則是創立時的宗旨，近期當代藝術與工藝逐漸成為一股新的趨勢，應用藝術也慢慢在台灣當代藝術市場下被看到，我們也是樂觀其成的，陶華灼成立至今今年已是第27年，因據點於觀光重鎮陶瓷老街上，經常也會有來自收藏家們的回饋，除了辦展覽外，陶華灼偶爾也會舉辦藝術家座談會，在作者與觀者間的交流中，也經常得到很棒的火花。

「生命、生活、陶」也是陶華灼與觀賞者們互動下希望能夠推廣的方向，「讓故事得以共鳴的地方」則是希望藝術能夠讓觀賞者有所共鳴，希望能夠將藝術家精緻的、創意的、最完美的一面詮釋給觀眾。

章格銘作品

2.承上，對於這股潮流，想請問這次邀請來的台灣創作者章格銘，如何看待自己的作品定位，是設計商業、藝術創作，或是其他？又，你的作品橫跨多種媒材，以當代工藝市場銷售而言，你認爲未來的趨勢會是什麼？

章格銘：我覺得用製造服務業來形容比較貼切，從初期概念發想開始到最後的成品產出就為了服務人的生活所需，就算是不含設計因素的純藝術創作，也是為了服務創作者本人。而沒製造技術的支援，一切也成空談。

伊藤剛俊作品

3.從陶華灼的經驗來看，對於精湛工藝家製作的日常器具類作品，是否有進入當代藝博會的可能性？其困境跟優勢會是什麼？國外市場是否更有發展空間？

陶華灼藝廊於2014年正式接觸當代藝術，也陸續在海內外藝博會推廣展覽，配合整體的展覽空間，也會帶適合的藝術家展出具有實用性的作品，剛開始會發現應用藝術在藝博會性質的展會中具有挑戰性，但近幾年發現到，應用藝術在國內的興起，藏家們也逐漸能夠接受這種形式的創作在藝博會展出，有時候會覺得在前線推廣藝術，能夠讓觀賞者從不認識到被接受感動，心中也有一股成就感。 記得在2020年疫情爆發的那段時間，想出門活動是很麻煩的事情，消費者也逐漸將消費方式轉向能在居家內實用，提升生活儀式感、收藏具有實用功能的作品，逐漸也變成一種習慣，近期發現除了長期收藏作品的資深藏家外，也有很多的年輕藏家對於應用藝術也感興趣。

我們認為推廣藝術是需要長期經營及培養的，相對像是日本對於應用藝術也有相當悠久的歷史，發展也非常蓬勃，以及韓國對於藝術也相當的重視，且兩國的文化習慣跟台灣也非常相似，未來也不排除規劃帶台灣的藝術家在這兩國參與展覽活動。

崔浩俊作品

4.本屆大會主題為「Pairing配搭」，陶華灼挑選了台日韓的陶瓷創作者展出，各自呈現的技法與風格非常不同，似乎能一窺台日韓創作者喜好面向，就你們觀察，如何看待亞洲藝術家在創作上的趨勢？

首先非常榮幸能夠參與《ΔDesignArt》設計藝術展會，「Pairing配搭」與陶華灼經營的理念方向也有部分是契合的，陶華灼自2014年開始除了代理國內藝術家之外，也開始與日本、韓國、香港、泰國的藝術家有展覽的經驗，發現到亞洲不同國家藝術家的創作風格，也能夠窺視不同國家的文化差異，談到文化、娛樂、飲食以及藝術，我們是互相影響的，且有共同語彙的，一種不用語言傳達就能讓人一眼看過去會心一笑的初衷，也是此次「Paring配搭」我們想帶給大家認識。

台灣在亞洲相對上也擁有相對自由的舞台，能夠帶亞洲各國藝術家在台灣讓大家認識並接受，也是我們樂觀其成的。

伊藤剛俊作品

5.國外有一些Design Gallery，或「Salone del Mobile Milano」、「Collectible」、「DESIGNART TOKYO」等展會能展售這些介在設計與藝術間的作品，對我們這個新興設計藝術平台「ΔDesignArt」有什麼期許？

非常高興陶華灼今年能以「Paring配搭」的方式讓設計圈們的專業先進們發現，也期許未來能夠有更多精湛藝術品，與設計空間的「Paring配搭」。

章格銘作品

6.給我們一個設計與藝術間的Hashtag

陶華灼：我們不僅經營藝術品收藏，更經營一種生活態度，#藝術是讓故事得以共鳴的地方。

章格銘：#百分比

氣室L'atelier de CYH

簡介/

化學相關科系畢業，卻又不願成為科學成員的男子。厭倦藥廠工作後，獨自飛往法國ISIPCA取得調香及化妝品學位，後於全球前十大香精公司接受評香訓練。返台後擔任過國際香氛品牌訓育講師及（要接不接的）專案獨立調香。希望將專業香氛的更多可能帶入亞洲市場，豐富消費者體驗，從『氣味』開始建立品牌形象。主持同名Podcast，希望能透過文字或口語，來提升大眾對於香氣的感受力。

庫魯不塔人

簡介/

「庫魯不塔人出生之後，沒有名字，大家都一樣，叫做庫魯不塔。」

幾年前寫下「庫魯不塔人不過生日」這個故事。描寫一個架空的烏托邦，在裡面，每個人都叫庫魯不塔，而每個庫魯不塔都做著自己喜歡的事。

作品盡是虛構，但於我都是真實。

這幾年編織、畫畫、寫字等等，角色轉了又轉，能力值轉成細胞增生，回過神才發現——噢，原來我慢慢活成了「庫魯不塔人」。

1.Collectible Design（收藏型設計）是國外一股新的收藏潮流，如何看待你們合作的作品定位，是設計商業、藝術創作，或是其他？

氣室：這是一場趣味型的合作，兩者融合了商業實用性及藝術創作元素。藝術品及香氛，本就是在日常生活中可有可無，但卻能夠精準地提升及展現個人品味的物件。對我來說，只要是透過個人經驗，投入時間及心力所製成，能夠激起感官並傳遞訊息的就是藝術創作。而能夠量產且具備實質使用性的設計，就具備商業化特質。

庫魯：我其實沒有設計概念，關於藝術我也自覺稱不上。對我來說，我自己也很好奇自己會做出什麼？會長出什麼？我是看著這些才驚覺自己都在想什麼？在意什麼？以文字來說，我當然也喜歡詩、散文、小說。但比起這些文學作品，我最愛的還是流水帳。落在地上的紙條，那種不小心而帶點私密的，莫名地迷人。如果有人做出這樣的書，我會買。和Josh合作的過程中，我隱隱感覺到這種細碎的私語，這無關乎設計商業或藝術創作，我就是想把最近想的事情慢慢說出來。他的香氣回應了我，我再回應回去。我喜歡這樣的作品。

2.從你的經驗來看，你覺得在台灣發展市場的困境跟優勢會是什麼？國外是否更有發展空間？

氣室：如果是五年前，我會斬釘截鐵地說『是』。但現在來說，我覺得台灣民眾對於氣味的接受度越來越高，不再是一個容易被忽略的感官。讓如今的多數人都對香氛及氣味都抱有很大的好奇心，願意且樂意去嘗試。難點將會是如何找到利基那一塊受眾，除此之外培養更多元的香氛鑑賞力也是仍需努力的部分。

庫魯：其實我覺得台灣的創作很多元，但因為市場小，所以只要有成功人士，就容易被一窩蜂複製模式。國外確實市場更大，可以看到更多更多東西，但有沒有發展空間，好像還是得靠機緣。我很難把自己準備好，現階段沒辦法想這些問題，只能一直一直做，至少不要放棄。

3.本屆大會主題為「Paring配搭」，你們是本屆大會裡唯一以全新合作聯名形式共創作品的展間，請與我們分享這次合作的感想與趣事。

氣室：從庫魯不塔人所交織的作品，結合質地與手感，利用差異性來創造出去對比的和諧。對我而言，香氛的創作其實也有點類似。從挑選香材到比例拿捏，一步步地去調整出氣味理想中的模樣。本次雙方的第一次合作，因此在創作的發想上，希望是以我們兩個人都能產生共鳴的基礎。（畢竟我們兩個生活型態差很多）因此選擇了時間，一天之中在不同片刻時所能感知的差異。香氛的部分選擇以水氣與濕度的變化作為靈感，以香氣來演繹周而復始的時序循環。

庫魯：啊！我第一題應該挪到這裡回答。我記得約見面討論那天，我們在想要做什麼主題，我說我一直對「時間」和「生死」著迷。後來很快就訂定主題，Josh 回去也很快速打了一段我們的概念，我覺得他好迷人喔！就是有一種體感上的俐落感。後來收到香氣的樣本，我刻意盲抽不看標籤，寫的故事都好符合每一瓶的氣味和主題時間。我對於有跟上他的俐落，感到十分愉悅。

4.國外有一些Design Gallery，或「Salone del Mobile Milano」、「Collectible」、「DESIGNART TOKYO」等展會能展售這些介在設計與藝術間的作品，對我們這個新興設計藝術平台「ΔDesignArt」有什麼期許？

氣室：如同米蘭家具展Salone del Mobile Milano一樣，雖然一開始只是為了特定的產業所發聲或推廣，但逐漸地成為了一項吸引設計、製造、時尚、美妝共同參與的炫技型（可以這樣說嗎？）商業展覽。若ΔDesignArt逐步地能夠觸及更多場外的人來欣賞，淺移默化的讓設計美學的鑑賞力進入到日常生活中。不僅僅能為展會中的作品帶來瀏覽人次，也是間接地在擴大此類商用設計的潛力消費市場。

庫魯：這也是第一次和Chad合作，覺得他在行前解說和創作期間的提醒和分享，都好溫暖。就是覺得雖然我還沒有實際走完這一遭，還沒搞懂每個人在這些事物上的定位。但我是有興趣的喔。我想，讓人可以一直好奇平台在做什麼？接下來要做什麼？就是最棒的事吧！

5.給我們一個設計與藝術間的Hashtag

氣室：很無聊的答案，但我覺得 生活的細節就是靈感所在。若是能夠時刻跳脫習慣，以非常態的視角來觀察日常瑣碎零散的片段，當梳理起來之後，就會是一項能夠傳遞想法及靈感的創作。所以這個Hashtag應該是『#上帝視角』吧，不論是時刻審視自己或觀察路邊的螻蟻。

庫魯：最近買了一本書「#創造力的修行」，因為是修行，我把它拿來當每次創作的指引。這次的創作，翻到的是「我們說給自己的故事」。看到標題先觸電一次，內容與這次要講述的和呈現方式高度吻合。

太壞了宇宙！！！（愛的意思）

ΔDesignArt 2024 學生設計藝術沙龍展間風景

2024年在南港老爺行旅誕生的《ΔDesignArt》設計藝術展會，攜手設計發浪，首年以「Spectrum 光譜」為題，Δ（delta）所代表的變數放入設計和藝術之間，各種型態樣貌的藝術創作在飯店房間具有生活感的空間展出，各種可能在生活裡會出現的家飾或用品，都因為獨特技藝產生新的美學風格。
 
2025年的第二屆《ΔDesignArt》，我們借鏡餐酒文化中的「Pairing 配搭」，料理搭配不同的酒體，入口風味將成變化萬千的世界，設計藝術創作品亦然，當創作者與職人彼此合作，又或者是品牌間的聯名，甚或是融合不同的素材與工藝技巧等，都能創造出生活裡的奇點，讓我們的日常擁有更多選擇。創作者也能在這樣的合作裡激盪出無限可能，甚至找到新的創意切入點，提升自我的品牌價值。

ΔDesignArt 2025 學生徵件結果，入選者作品如下。（數字為報名先後順序）

01.張宇蕎 / Yu-Chiao Chang
作品/〈Ochre Frames〉

簡介/

生於臺灣臺中，目前於國立陽明交通大學應用藝術研究所攻讀碩士學位，先前於高雄醫學大學牙醫學系取得學士學位，並擁有牙醫師的專業背景。主要關注人類身體、意識認知與賤斥狀態，探討個體存在的本真性、社會 與科技發展的趨勢。同時亦嘗試從自然科學視角切入藝術實踐，探索兩者之間的交集與對話。透過實驗性的複合媒材與跨領域方法，探討身體如何在科技、社會規範與個人經驗的交織下被理解與再現。

說明/

〈Ochre Frames〉展示的是一種推測的平行世界觀，在這個世界，月經不僅是一種生理變化，更是成為視覺記憶的儀式性流行文化。女性會在 月經來臨前會準備好「經血洗片禮盒」，自身血 液替代傳統蛋白印相中的蛋白，透過光影與銀鹽 顯影技術留下身體記憶的私密存檔。 經血在許多文化中都承載著禁忌意涵。經血被視為「邊界的破裂」或「賤斥物」，挑戰身體的整 潔性和社會秩序。民間迷信中，經血常被賦予魔法屬性，既可用於保護也可用於詛咒。然而這些迷信往往同時強化經血的不潔觀念，進一步將陰性身體邊緣化。本作品透過將禁忌物質呈現在公 共空間中，揭露污名化的政治根源，並挑戰現有的性別邊界狀態。

02.陳郭益言
作品/ 世界的總和

說明/

本組作品以視覺符號探索當代社會中的各種配搭關係，例如和平與暴力、自由與監控、消費與剝削、資訊與真實。創作過程結合數位圖像處理、AI 協作生成與手繪符號設計，展現複合媒材的運用。作品內容融合設計思維與社會議題，呈現不同領域之間的跨界對話，呼應本屆展覽所強調的創新配搭精神。

03.戴抒瑜
作品/社交光鐘 Social Time

說明/

科技進展讓人們仰賴社群平台進行關係的建立與維繫，隨之而來的孤獨感日漸嚴重導致眾多心理疾病產生。作品旨在探索虛擬社群與現實健康的平衡，透過家飾型態與使用情境，提醒觀者對實體互動的價值重新認識。

04.梁丁元
作品/ 海廢 · 家 Marine Debris, Home

說明/

利用海洋廢棄物作為海水生物的家。珊瑚在海洋廢棄物上悄然生長，廢棄物成為它們生命的根基。它們的美麗，映照出大自然在困境中依然堅韌的生命力。這片生機的背後，藏著無聲的悲鳴，提醒著我們，若不改變，這片海洋的純淨將不復存在。這些在淡水六塊厝漁港和宜蘭玻璃海灘收集的海洋廢棄物，必須先經過清潔和研磨處理之後，才可以放入珊瑚缸中，成為海洋生物的棲息之地。藉由珊瑚的生長過程與海洋生物的生活習性，呈現它們與海洋廢棄物之間的共生關係。廢棄物在歲月的洗禮中，悄然成為珊瑚的依託，海洋生物也在這些遺留的痕跡中尋找庇護與食物。這份微妙的相依，隨著時間的演變，映照出生命在逆境中展現的韌性與不屈的適應力。

05.桂語謙
作品/《PICK ME or BUY ME》

說明/

以大眾消費符號轉化為材質，解構並重組為可穿戴的身體裝置。作品使消費品成為身體的外延，同時也使身體進入商品的視覺語境，形成一個等待被選擇的展示客體。購物袋原本是用來盛裝商品的容器，如今反客為主地包覆身體，模糊商品與消費者、包裝與內容的界線。這種反轉直指當代「包養關係」中的商品化本質，人際關係被轉化為一種消費交易，親密成為可被定價的商品。當「被挑選」成為一種基本存在狀態，我們的身體是否也正在被無聲上架？

「PICK ME」的呼喚如同在交友軟體的滑動介面中閃爍的訊息，是一種渴望的招喚，也是一種自我物化的坦然告白。在消費主義的運作邏輯中，自我物化成為一種求存策略，而「價值」則成為被觀看的必要條件。當服裝不再僅是裝飾身體，而是揭露身體如何在視覺經濟中淪為消費品的一部分，身體與表層之間的對比，使觀看行為本身轉化為消費形式；觀者投射的目光與隱含的慾望，不知不覺間被納入作品的批判機制中，成為被檢視的對象。表面看似戲謔的手法，實則反映當代社會中慾望與消費的交織邏輯，以刻意誇大的商品包裝美學，嘲諷「被選擇」所隱含的物化過程。

在不斷被觀看、被評分、被包裝的消費循環中，我們究竟是主動選擇的主體，還是被動等待被選的客體？身體的商品化與商品的身體化，成為探討親密關係消費本質的批判性視角。

06.官郁珊 Guan,Yu-Shan
作品/ 返

簡介/
 
我專注於織品與記憶之間的關聯，透過實驗性刺繡與織品創作，探索材質如何承載時間的痕跡與個人情感。作品圍繞「家」、「時間」、「痕跡」等主題展開，嘗試將難以言喻的情緒碎片，轉化為可被觸摸的紋理與圖層。以電腦刺繡為核心技法，我將冷靜精密的機械語言與柔軟纖維質地相結合，縫合 出記憶中模糊、殘缺卻真實的瞬間。透過層層堆疊、重構與解構的方式，作品呈現出介於過去與現在、真實與想像之間的情感斷面。
 
我關注的不只是「繡」的形式，而是它作為一種時間容器的潛力 — 每一道針跡， 都是對過往的一次觸碰;每一塊織物，都是情感與時間交疊後留下的回聲。
 
說明/
 
每日穿越稻田上學的日子，是我與家鄉最初的連結。那片田野的起伏與搖曳，早已烙印在記憶深處。 離家之後，每次歸途，風中的稻浪總輕輕撫過心頭，像是親人不捨地挽留，又像熱情地迎接回家。它們無聲地說話，也無聲地等著。 我以電繡描繪這片土地的紋理。縫線如同稻浪的律動，也如時間的痕跡。作品彎曲的弧度象徵風的流動與情感的牽引，是離鄉與返家的不斷往返。

Soul & Spirits/臺灣百味琴酒計劃

簡介/

旨在透過琴酒這個有高度可塑性的酒類媒介，展現臺灣豐富多元‬的在地風味及故事。結合傳統與現代、地方食材、工藝精神，轉譯臺灣特色進而打造出一系列具有代表‬性的限量琴酒品項。計劃特色包括：在地食材入酒‬‭、小批次製作‬、‭協作精神、品牌合作，推廣臺灣地方文化與風味層疊之‬美。

百味：象徵臺灣多樣性的飲食文化與族群融合的滋味，這項計劃藉由琴酒重新詮釋本地精神與風‬味巧妙，讓臺灣味在國際舞台上獲得更多關注。

1.某些日本陳年威士忌由於酒廠已不再生產，年份高的日本威士忌一瓶難求，有的甚至在藝術拍賣平台‬上也會成為一種「藏品」上架拍賣販售宛如藝術品。你如何看待這種狀況？琴酒是否也有類似的市場機‬會發展？‬

日本威士忌的價格與供需狀況在許多炒作下儼然像是投資標的，在拍賣平台上變成藏品而只剩觀看價值‬以及身家地位的展現；對我來說，除了酒瓶本身是工藝作品的情況之外，再好的酒都需要透過嗅聞品嚐‬，才能呈現酒液其中價值。琴酒也有少量年代久遠的老酒在市面流通，但是不太會像威士忌市場備受矚‬‭目；要像威士忌那樣發展的可能相當有限，畢竟琴酒在大眾觀念比較少跟社經地位做連結。

2.你經營的酒吧「sidebar」素有琴酒博物館美名，你甚至把製酒定義為一種「工藝」出了一本《琴酒工藝全書》，可看出你對把自己定位在職人的‬高標準，可否與我們分享你對製酒工藝的觀點？國外又是怎麼看待製酒工藝？‬

其實製作琴酒本身的門檻並不高，大量製造的普飲款琴酒與小批次工藝琴酒差別在於其中風味的鋪排、韻味及蘊涵其中的意念，使得個別琴酒之間在起步製程有著根本的不同。先有對自身投入酒款類別全面的認知與瞭解，對自己作品的創作訴求，過程中產生的質疑和‬熱情的消長，都是我認為製酒工藝必經也是必要的關鍵。國外製酒工藝在於對材料的理解、製酒的手‬法、風味的掌握都有很顯著的投入；這是我在參訪過國內外近百間酒廠親身感受到的結論。

3.本屆大會主題為「Paring配搭」，你在台灣百味計劃中與眾多品牌合作，每支自製琴酒酒標也有自成‬一格的插畫風格，這個計畫似乎不只是製酒如此單純，在最理想的狀況下，你希望台灣百味計畫發展到‬最後的未來是什麼？

我覺得透過與外在不同領域連結而產生的創作是相當有趣且富有挑戰的；與餐廳或甜點品牌、協同在地‬物產、連結文化，都是工藝琴酒與之配搭延伸出的風味多元。而在酒標上也不侷限風格，讓每一款琴酒‬都保有自身特色。最理想的狀況下，希望臺灣百味琴酒計劃最後能成為搭載各種面向，表現來自臺灣的‬風土、文化，用風味向世界表述這片土地點滴故事的品牌。

4.國外有一些Design Gallery，或「Salone del Mobile Milano」、「Collectible」、「DESIGNART TOKYO」等展會能展售這些介在設計與藝術間的作品，對我們這個新興設計藝術平台「ΔDesignArt」有什麼期許？

ΔDesignArt能把工藝琴酒納入藝術設計的一環，對於我而言是相當獨特的概念。談論到藝術設計通常是‬很視覺的想像，或者是生活中物件的解構創造；即使酒標繪製和瓶身製作是關於視覺的設計，但是提及‬風味藝術在嗅聞飲用是另類感官的美學這件事，對於大眾是相當大且陌生的挑戰。希望這個平台能發掘‬出更多元在五感中的藝術設計可能性。

5.給我們一個設計與藝術間的Hashtag

#TatsumiDistillery‬

Tatsumi Distillery（辰巳蒸留所）是日本郡上八幡的一人工藝酒廠，在日本琴酒喜好者圈內極具代表。

‭不追求大量製作，也不投入行銷操作，單純從日本在地物產追求許多風味組合的呈現，同時在酒標設計‬與不同藝術家合作，於酒廠舉辦交流活動。酒廠創設迄今近九年，每款作品都在推出時搶購一空。每當‬我對蒸餾工藝琴酒感到困頓的時候，會找機會到郡上八幡找辰巳先生對話，品嚐彼此的作品，藉此讓自‬己不要徬徨迷茫。想從琴酒風味中感受到獨特的意念，辰巳先生的酒相當值得嘗試學習。

圖片來源 marie claire

陳弈通 ft. 臺北市學學實驗教育機構

簡介/

21歲，2024 巴黎奧運台灣男子鈍劍代表選手，勇闖32強，平隊史最佳。15歲時在布宜諾斯艾利斯青年奧運取得國際混合組男子鈍劍混合團體銀牌，被喻為最強擊劍國中生的「天才劍客」。
曾就讀薩凡納藝術設計學院 (SCAD），專攻平面設計與球鞋設計。目前就讀羅德島設計學院 (RISD)，專攻平面設計。
日前改造巴黎奧運選手村的棉被，設計為外套及包包上傳社群後獲得國際眾多迴響，短短不到一天就獲得五萬多的讚，引起其他台灣奧運選手爭相要求他設計改造，連奧運官方社群也有轉發。

ft.參展者介紹
臺北市學學實驗教育機構

簡介/
台灣第一所針對 10-12年級高中生結合藝術設計、影視音樂、人文思辨、表演傳播、美感教育等多元跨域、適性學習的實驗教育機構。自2017年成立起，培養高中生發展天賦、展現自信，進入國內外藝術設計知名大學或國內公立大學不分系跨領域學士學程就讀。

知名奧運鈍劍選手陳弈通為校友，除了成為支持他鈍劍選手生涯的後盾之外，學校教育課程啟發他對設計與藝術的熱愛，不僅在運動場上有優異表現，創作上也展現出他獨特的個人風格。

陳弈通 專訪 

陳弈通改造巴黎奧運選手村棉被的外套與包包

1.Collectible Design（收藏型設計）是國外一股新的收藏潮流，如何看待自己的作品定位，是設計商業、藝術創作，或是其他？
 
我從小就很喜歡收集各種有趣的物品，像是寶可夢、遊戲王卡、服飾、限量品或是帶有故事性的作品。 

所以面對 Collectible Design（收藏型設計）我覺得對我來說是很自然的延伸。 

我希望它們帶著創意與實用性，能夠被使用、與生活互動；但同時，我也希望每件作品能帶有情感、故事，甚至能成為被長久收藏的物件。

2.可否與我們分享在學學實驗教育機構裡跟國外的設計教育中，跟一般國高中的教育學程你自己感受到比較不一樣的地方？

我覺得最大的不同是師資。在學學實驗教育機構或國外學校，老師會鼓勵同時透過自己的經驗、背景，提供給我們不同參考的表方向。 這種自由度一開始有點不習慣，但也讓我更清楚自己想走的方向。

3.本屆大會主題為「Pairing配搭」，你是台灣擊劍國家代表隊選手，同時是設計師，也以運動為主題做了很多有趣的藝術作品，運動跟創作兩個身份，你會希望未來如何發展？

我覺得運動跟創作對我來說其實是互相影響的。擊劍讓我學到很多關於專注情緒控制的東西，這些也慢慢變成我在設計或藝術創作裡很重要的一部分。
未來我希望可以繼續在這兩個領域並行，讓自己的作品不只被看見，同時把運動帶給我的能量、故事跟精神也傳達出去。

Yu-Mei Huang 個展風景

4.國外有一些Design Gallery，或「Salone del Mobile Milano」、「Collectible」、「DESIGNART TOKYO」等展會能展售這些介在設計與藝術間的作品，對我們這個新興設計藝術平台「ΔDesignArt」有什麼期許？

我覺得這些展會給很多介於設計和藝術之間的創作者一個平台能被看見。期許「ΔDesignArt」讓更多有溫度、有觀點的作品被發現、被重視，也帶動台灣甚至亞洲對Collectible Design文化的發展。

5.給我們一個設計與藝術間的Hashtag

#ArtInMotion (流動中的藝術）

李荔與她的共創宇宙（ft.日日與木、草鼻）

簡介/

李荔，1987生於台灣。近3年接觸陶土後，成為陶創作者。曾在寮國學習製作手工鞋，對材質應用與質地探討感興趣。七年前開始過著育兒生活，進而接觸到更柔軟的材質：土。

土是啟發她開始創作的媒材，是自己與外界對話的媒介。跟土相處的這些日子裡，它帶給李荔生命的各種面向。曾經以為，藉由土而找到方向。但後來慢慢發現，是自身的生命力透過土，想傳達更多訊息。

李荔〈我是器〉。 （李荔個展《in process 進行中》、李易暹&陳威齊攝影 ）

1. Collectible Design（收藏型設計）是國外一股新的收藏潮流，如何看待你和日日與木、草鼻的作品定位，是設計商業、藝術創作，或是其他？

是設計、是商業，同時也是藝術創作。更精準的說，每個系列各自的定位都有點不同，但共同點就是對美的追求，再深刻一點就是內心的歸屬、更有覺知的活著。

2.從你的經驗來看，你覺得在台灣發展設計藝術市場的困境跟優勢會是什麼？會想去國外發展看看嗎？

當我開始創作之後，觀看整個市場跟生態的角度也有不同的變化。對於我這種素人創作者類型，可以從很庶民的角度出發，接近各種樣子的市場，從大眾化的市場裡找出我可以切入的位置，讓作品不會距離一般大眾很遠。隨著時間推移，我的創作內容也跟著生命經驗開始變化，也慢慢找到創作的核心，當我開始想讓作品對去更遠的地方時，就開始遇到困境：我不知道可以怎麼做。像我們這種非專科出來的創作者，沒有學校資源的鋪陳，都需要單打獨鬥面對所有的資源對口。這些事情其實是一個向外的能量，但創作卻是一個向內的能量，當這兩股能量在使用時，對我都會是一個很大的挑戰。這時我就會知道藝術經理人的重要性！

我很想去國外發展，想看看自己內在的呈現，與這個世界碰撞或融合的樣子！

3.本屆大會主題為「Paring配搭」，你這次的展出形式跟以往很不同，在我看來有點像是你的個展，當中展出你與日日與木、及草鼻兩個品牌創作者各自合作的作品，甚至還有你的個人作品。從跟不同創作者合作、到發展出自己個人作品系列，你怎麼看待這一路走來的心路歷程？

我的創作，一直都是以我為出發點。我的作品就是我的延伸、都是我與他人的關係：我與自然、我與人群、我與創傷、我與身體、我與自性（self）、我與神性、我與宇宙。這樣去觀看我的作品，一切就可以連在一起。

我只是透過不同形式（視覺、嗅覺、觸覺、觸動人心的感覺）來說同一件事情，就是「我與他人的關係」。所以我透過「創作」這件事情，讓我更有覺知的活著，這就是我的獲得。

4.承上，和這麼多不同種類的創作者合作，是否有什麼小故事或心得可以跟我們分享？和創作者的合作帶給你什麼不一樣的啟發？

跟日日與木、草鼻合作，有個很重要的共同點是：作品一定是要有感覺、心會觸動、身體會觸動的前提下，才能製作。我們不能做出無法觸動自己的作品，因為那就是讓別人產生共鳴的方式。創作者的狀態也會大大影響作品的狀態，「如實的生活著」就是保養創作動力的最佳潤滑劑。

會有這樣的發現，就是因為剛創作的初期，我為了趕時間而很機械性的製作了一批陶件。當這些陶件送到日日與木那邊、準備要搭配植物時，發現那一批陶件完全沒有觸動她！我們才發現無法觸動自己的作品是完全無法製作的！

而日日與木和草鼻都是生產者，我這個顯示者很需要有持續動能的夥伴加入，這個是我在合作中最大的獲得與覺得被支持。

5.國外有一些Design Gallery，或「Salone del Mobile Milano」、「Collectible」、「DESIGNART TOKYO」等展會能展售這些介在設計與藝術間的作品，對我們這個新興設計藝術平台「ΔDesignArt」有什麼期許？

這個領域在台灣慢慢轉動起來，希望可以逐漸成熟而帶動更多創作者。


6.給我們一個設計與藝術間的Hashtag

#保持流通

#連結

#體驗

█  ΔDesignArt2025 觀點論壇

我們認為，展覽是策展觀點的具體呈現與延伸，論壇則是激盪觀者與講者聚焦在議題上的端眼討論，帶著火花再回頭去看ΔDesignArt的策展內容，會有截然不同的全知感受。本屆論壇台日韓學者專家齊聚，首先邀請韓國最重要的當代工藝策展人康在永來台，以及去年代表台灣受邀參加KCDF、同時也是ΔDesignArt的展出陣容之一的地衣荒物創辦人謝欣翰對談分享，台灣與韓國當代工藝市場的最新趨勢。日本則是請來在米蘭設計週與大阪萬國博覽會大放異彩的超新星體驗設計團隊Konel來台展出之外，也將帶來最新的日本最新技術與設計結合的分享。

去年展會聚焦在Collectible Design的講座引起參加者熱烈迴響，今年將再深入探討此風潮趨勢的未來市場性，邀請毓繡美術館創意運用整合經理葉宇眉 Zoey、AICA Taiwan藝評人協會理事長陳晞、桃園會展中心藝術總監王焜生進行一場對談，我們將從美術館結合藝術與設計的經驗分享中看見市場性，並從藝術觀點切入，窺見設計在藝術市場裡的新趨勢。

而本屆展會更跨出會場，與隔壁的新一代設計展合作，在南港設計藝術週的議題下，進行一場特別講座，邀請來三頁文設計創辦人顏伯駿、陽明交大應用藝術研究所助理教授顧廣毅、實踐大學工設系專任助理教授曾熙凱進行一場學生畢業設計製作中窺見的藝術創作風聚焦。

█ Good Singularity 加速美好未來造訪的創意實踐

• 時間｜2025.05.09 (Fri.) 13:00~14:30
• 地點｜南港老爺行旅 10F 會議室
• 費用｜每場 250 元
• 介紹｜
  傳統、生物、機械、AI、人類與自然——這一切在同一幅畫面中和諧共存。我們在 Konel 稱之為「Good Singularity（良性奇點）」。
  
  無論怎麼想，我們都應該避開那個被恐怖狗型機器人追趕的未來，而去擁有最愛的貓型機器人。我堅信，這是所有人共同的願望。然而，以人工智慧為首，生物科技與量子技術等領域，卻蘊藏著可能威脅整個地球的巨大風險。
  
  從描寫原子彈研發領導者的《奧本海默》電影大受歡迎，到警示技術發展風險的《封印 AI》（AIを封じ込めよ）成為暢銷書，都反映了我們正處於奇點來臨前夕的時代趨勢。不只技術的發展，關於如何使用這些技術的倫理，以及日益枯竭的資源問題，也都成為全球關注的焦點。
  
  在這樣的時代裡，我們特別想強調的是：「科技的文化性實踐與落地」才是關鍵所在。

█ 講者介紹 (圖由左至右)

[論壇講者] 出村光世｜konel代表

身兼超過30種職業的創作者集團 Konel 及《知財圖鑑》的代表。擅長以願景為出發點構思未來藍圖，透過原型製作（Prototyping）實際打造未來的雛形。專精於新創事業、品牌策略、產品開發與行銷推廣。現已移居至神奈川縣的逗子市。

[論壇講者] 都淳朗｜AAAQ 主理人

1996年出生，來自德島縣。2021年畢業於千葉大學大學院融合理工學府創成工學專攻設計課程碩士前期課程。曾從事用於製作傾斜功能材料的樹脂混練與成型方法之研究。目前為跨領域創作者團體 Konel 的成員之一，致力於透過科技實踐未來體驗的同時，也積極投入實驗性商品開發與運用自然現象進行藝術創作。為創意工作室 AAAQ 的主理人。座右銘是：「吃，創作，然後睡。」

[ 與談人/口譯] Chad Liu｜ΔDesignArt 設計藝術展會PD / 設計發浪&觀止堂GM

█ 現代工藝界的流行與創作趨勢-以世界工藝展覽案例為中心-

• 時間｜2025.05.10 (Sat.) 15:00~17:00
• 地點｜南港老爺行旅 10F 會議室
• 費用｜每場 250 元
• 介紹｜
  工藝在美術史上是一個具有爭議性的概念。自近代化以來，工藝的概念不斷被重新定義與重建。純藝術與工藝、手工藝與工業化所區分的工藝與設計之間的界限與爭論，正是其中一例。然而，這些爭論僅僅是將工藝作為西方現代藝術主要範疇進行分析理論的一部分。
  
  工藝與人的生活基本要素---「衣食住行」與生產消費有直接相關聯繫。因此，工藝可以說是所有文明的出發點，並且相當於「文明的無意識」。工藝提供了文化之間的語言，讓我們能夠超越時間和空間在不同文化中發現物品的價值。尤其是，現代工藝在知識、文化與技術等各種層面的融合與創新中，與建築、設計、美術等多樣藝術分支共同發展。以手工藝為中心的工匠精神，能在時尚、汽車、高科技產業等多個產業中找到交集。本演講將基於全球不同展覽的案例，探討工藝的概念及其不斷演變的創作趨勢。

█ 講者介紹 (圖由左至右)

[主講人] 康在永 Jaeyong Kang

碩士畢業於韓國弘益大學美術學系，對當代藝術議題與工藝極具豐富策展經驗。2021、2022年擔任韓國文化體育觀光部米蘭韓國工藝館（Artistic director of Korean Craft exhibition）藝術總監，2024年擔任KCDF 韓國工藝設計文化振興院 Craft Trend Fair 工藝潮流展藝術總監。2025年，二度擔任清州國際工藝雙年展(Cheongju International Craft Biennale) 藝術總監。

 [與談人] 謝欣翰｜地衣荒物主理人

「從古老智慧到現代設計，打造人與自然合作的產物。」工藝選品店地衣荒物主理人謝欣翰以策展形式打造店內選品系列，定期邀請世界各國當代工藝匠人品牌作品進行展覽販售，包羅萬象的材質，體現淬煉細緻的工藝。在此平台看見的是傳統工藝與當代美學碰撞之後，點亮未來的燦燦星火。2024年代表台灣民間，受邀KCDF 韓國工藝設計文化振興院 Craft Trend Fair 工藝潮流展展出，獲得廣大迴響。

[與談人/譯者] 李佳樺 Jackie Chia-hua Lee

Minari Brand & Culture 敏睿創意統合 總監
韓國現代設計協會 KECD(Korea Ensemble of Contemporary Design) 副理事長
政大韓文學士、成均館視覺設計系碩士畢業，專業為視覺設計，旅居韓國14年。畢業後任職於韓國第二代品牌規劃公司Crosspoint，擔任首席設計師為韓國各大中小企業、跨國公司等規劃品牌識別系統及包裝設計 ; 期間也同時參與過由韓國體育文化部主辦之韓國傳統工藝展策展小組，曾經在米蘭、倫敦、台北、杭州等地協助策展規劃。

█ Collectible Design 在藝術市場發展的未來

• 時間｜2025.05.11 (Sun) 13:00~14:30
• 地點｜南港老爺行旅 10F 會議室
• 費用｜每場 250 元
• 介紹｜
  Collectible Design 風潮從歐美吹起，10年前席捲日本東京，至今許多網路媒體與相關藝術拍賣平台都開始討論，國外亦有「Design Gallery」或「Design Miami」、「Salone del Mobile Milano」、比利時「Collectible」、「DESIGNART TOKYO」等展會，這股熱潮終於也吹向台灣，在台灣當代藝術市場非常蓬勃的當下，如何從當代藝術觀點回望這股從設計興起的創作熱潮？而藝術市場是否也能有包容此類作品的空間？

█ 講者介紹 (圖由左至右)

[論壇講者] 葉宇眉 Zoey｜毓繡美術館創意運用整合經理

負責美術館商店的選品企劃及創作者展覽規劃，在美術館展覽的延長線上，從與設計師共同討論合作相關禮品製作，到規劃相關的活動舉辦，以「當代寫實」為核心，創造出毓繡美術館在台灣最獨特的藝術商店風景。

[論壇講者] 陳晞 Sid Chen｜中華民國藝評人協會理事長

藝評書寫與研究者，第13屆國際藝評人協會台灣分會理事長，曾任典藏雜誌社（《今藝術＆投資》、《典藏ARTouch》）社群暨企劃主編。

[論壇講者] 王焜生 Emerson Wang / 桃園會展中心藝術總監

碩士畢業於英國艾賽克斯歐洲現代藝術與與理論研究所，2013年為止在德國文化藝術機構工作，協助台灣企業歐洲市場布局。回國後以獨立策展人與藝術顧問身份活躍於藝術領域，曾任台北國際藝術博覽會ART TAIPEI執行長，並至台中、台南、高雄等地藝博會擔任總策劃執行。亦曾任水墨現場INK NOW藝術總監、voices展會藝術總監。

[ 與談人] Chad Liu｜ΔDesignArt 設計藝術展會PD / 設計發浪&觀止堂GM

█ 設計科系畢業製作中趨向藝術創作的風潮

• 時間｜2025.05.10 (Sat.) 13:00~13:50
• 地點｜台北南港展覽館2館4F沙龍區
• 費用｜需購買新一代設計展入場門票
  介紹｜
  D&Department 長岡賢明曾說，最美好的設計在60年代已設計得差不多，日常生活裡似乎已無急需被解決的問題，焦點除了向外擴大到全球規模，創作者也將往內心靈魂深處探索。在設計與藝術的邊界逐漸模糊的當代，設計藝術創作者如何找到自己的定位和未來的方向？

█ 講者介紹 (圖由左至右)

[論壇講者] 顏伯駿 Po-Chun,Yen｜三頁文設計公司創辦人暨創意總監

擅長統籌平面、數位、動畫、影像等多元媒材領導視覺策略及品牌形象規劃，作品泛及藝術、設計、音樂、文化領域。擔任多屆金曲獎視覺設計統籌、臺灣文博會、白晝之夜、巴黎文化奧運台灣館等展會視覺統籌，獲獎經歷不可勝數。

[論壇講者] 曾熙凱｜Studio Shikai主理人暨實踐大學工設系專任助理教授
作為傳統與當代間的文化銜接者，使用當代語彙及新式材料與手法回歸生活，專注於「以物為主」的探索與實踐，他將自己置於無知的狀態，重新學習豐富的造物歷史，並通過理解、重現、實驗和再造，以獨特的方式重新詮釋世界。

[論壇講者] 顧廣毅 Kuang-Yi Ku｜ 藝術家暨陽明交大應藝所助理教授
碩士畢業於荷蘭恩荷芬設計學院（Design Academy Eindhoven）社會設計研究所（MA, Social Design）、國立陽明大學臨床牙醫學研究所、實踐大學媒體傳達設計研究所。具有牙醫師、生物藝術家以及社會設計師等多重身分。

[ 與談人/口譯] Chad Liu｜ΔDesignArt 設計藝術展會PD / 設計發浪&觀止堂GM